FRANCISCO ARIAS SOLIS
INTERNAUTAS POR LA PAZ Y LA LIBERTAD, FORO LIBRE, LITERATURA.

EDUARDO PONDAL
(1835-1917)

“¿Que din os rumorosos
na costa verdecente,
ao raio trasparente
do prácido luar?”
Eduardo Pondal.

LA VOZ CELTA DEL REXURDIMIENTO

En la misma vertiente posromántica y sensible de Rosalía de Castro se halla otro gran poeta, Eduardo Pondal, vinculado al movimiento liberal progresista derivado de un pasado gallego presidido por la libertad y la independencia, de un pasado céltico al que retrocede de la mano de Ossian en A campana d’Allons, Queixumes dos pinos y un poema incompleto en octavas reales, Os Eoas, donde los hijos de la Aurora, tras vencer las oscuridades y tormentas del Mar Tenebroso, descubren la nueva tierra de América. Queixunes dos pinos ofrece la cara hosca de Pondal, una saudade solitaria e íntima que recorre y aspira el aire de valles, montes, pinares y gándaras de Galicia. Pondal forma, junto con Rosalía de Castro, y Curros Enriquez, la gran tríada de la poesía gallega del siglo XIX y es uno de los principales poetas del “rexurdimiento”. Se le ha llamado “la voz celta del rexurdimiento”, por su recurrente referencia a esa raíz del pasado gallego. Uno de sus poemas, Os pinos, se ha convertido en el actual himno de Galicia.

Eduardo María González-Pondal e Abente, poeta en lenguas castellana y gallega, nació en Ponteceso, La Coruña, el 8 de febrero de 1835 y falleció en La Coruña, en 1917. Estudio bachillerato y la carrera de Medicina en Santiago y participó en las actividades culturales y literarias del Liceo de la Juventud. Según noticias que da Murguía, cuya amistad conservará Pondal toda su vida, se enamoró muy joven, pero su familia contrarió estos amores y no se casó nunca. No se conoce la identidad de este amor juvenil, al que recuerda en muchas poesías. Prácticamente no ejerció su carrera; se retiró a su casa familiar de Ponteceso y desde allí viajaba a Santiago y a La Coruña, donde se reunía con otros escritores en la librería de Carré, a la que llamaban la “Cova céltica”, por el celtismo de sus contertulios. La primera manifestación de Pondal como poeta está en castellano; es el famoso brindis de Conxo, en octavas reales, manifiesto liberal pronunciado en un banquete de confraternización que se celebró en 1856 en el bosque de Conxo, organizado por Aguirre, Rodríguez Seoane y el mismo Pondal. Su primera poesía en gallego aparece en 1862 en el Album de la caridad, resumen de los primeros juegos florales de Galicia, que se habían celebrado en La Coruña el año anterior. Se titula A campana d’Allons y son las nostálgicas quejas de un prisionero que recuerdan el romance del cautivo de Góngora.

En 1867 Pondal conoció los poemas de Ossian en una traducción francesa, y desde entonces su deseo es ser el cantor de Galicia, pero Galicia carece de tradición heroica conocida y Pondal se propone crearla partiendo de la tradición celta. Debía conocer el Leabhar Gabhala, antiguo poema céltico sobre una expedición de gallegos a Irlanda, puesto que Murguía, su gran amigo, da noticias de él. De este modo se acentúa su celtismo y se convierte en Breogán, el héroe céltico es un héroe gallego. Esta poesía heroica tenía para Pondal un componente cívico también pues, mostrándole a Galicia un pasado glorioso pretendía sacarla de su postración y animarla a realizar de nuevos grandes empresas. Su primer libro de poemas es todavía bilingüe. Rumores de los pinos (1877). No es una poesía popular como la de Rosalía de Castro. Pondal escribe sobre el pueblo pero no para el pueblo; por eso su popularidad es mucho menor. Se coloca ante el paisaje con su bagaje cultural de erudito y sus gustos de aristócrata. Queixumes dos pinos (1886) recoge todos los poemas gallegos de Rumores, pero a veces en diferente versión. Los cambios tienden principalmente a una purificación del idioma, sustituyendo castellanismos por formas patrimoniales del gallego.

A lo largo de toda su vida, Pondal estuvo trabajando sobre un largo poema épico Os Eoas, que después de haber estado varias veces a punto de publicarse, quedó inédito a su muerte. Os Eoas, en trescientas octavas, quería ser el gran poema heroico de Galicia: los hijos de la Aurora, venciendo la oscuridad y el mar tenebroso, descubren y conquistan América. Es un canto a la emigración gallega que sería el germen de una nueva unidad americana. El poeta tiene influencia de Tasso, pero sobre todo de Camoens, cuyo modelo sigue fielmente. Aunque su lenguaje es robusto y noble, y su versificación correcta, su valor es meramente arqueológico por lo que supone de artificio literario la reconstrucción, a principios del siglo XX, de los modelos y espíritu de la épica renacentista. Y como dijo el gran poeta gallego: “Galegos, sedes fortes; / prontos á grandes feitos; / aparellade os peitos / a glorioso afan; / fillos da nobres celtas, / fortes e peregrinos / luitade pl’os destinos / dos eidos de Breogán”.

Francisco Arias Solis
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La primera víctima de la guerra es la infancia.

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Gracias.

STEPHEN SPENDER
(1909-1995)

“Consideramos otra parábola de los niños españoles:
los niños vascos en Inglaterra
cuando oyeron la noticia de la caída de Bilbao,
destruyeron los muebles de su campamento.

Para nosotros que somos poetas, expresaron
el sentido del cual habíamos estado ajenos muchos años:
la indignación moral que nos había producido a nosotros...”
Stephen Spender.

LA VOZ DE UN SIR CON EL CORAZON A LA IZQUIERDA

Spender ha sido uno de los portavoces del liberalismo británico tras romper con el comunismo en 1939, partido en el que militó sólo una semana. “Yo era antifascista y estaba al lado de la República –nos dijo el poeta británico- pero no me sentía feliz con los comunistas”. Perteneció al grupo de intelectuales de izquierda liderado por Wystan Hug Auden, y participó en la guerra civil española del lado republicano. Su poesía, que en un primer momento abordó temas sociales y políticos, se decanta luego por la introspección.

En el orden político y social podemos considerar que Stephen Spender estaría próximo al liberalismo solidarista o liberalismo social que surge entre finales del siglo XIX y principios del XX, como se sintieron atraídos algunos de nuestros krausistas. Hasta cierto punto, Stephen Spender tiene también una posición próxima a la de Unamuno, sobre todo cuando el pensador vasco decía: “El liberalismo es socialista”, como lo hizo en la conferencia de Valladolid de enero de 1909. También ha sido dicho: “El hombre de izquierda no comunista se siente a la vez liberal y socialista”. Con Auden, C. Day Lewis y Louis MacNeice, Stephen Spender es uno de los magníficos poetas de la generación que surgió en los años treinta, que cambió los presupuestos estéticos de la poesía inglesa y fue el poeta del grupo de los “treintistas” que mejor conoció la “guerra de España”, provocada por la rebelión militar del general Franco.
Stephen Harold Spender nació en Londres el 28 de febrero de 1909 y murió en la capital inglesa el 16 de julio de 1995. Estudió en el University College de Oxford. En 1930 viaja a Alemania donde comienza a escribir sus poemas. Su conocimiento directo de la Alemania nazi le impulsó a alistarse en 1937 en el Batallón Británico para combatir en defensa de la Segunda República Española durante la fatal guerra civil de 1936 a 1938. Participó en el II Congreso de Escritores convocado por la Alianza Internacional de Intelectuales Antifascistas, que reunió en Valencia, en julio de 1937, a José Bergamín, Corpus Barga, Antonio Machado, Pablo Neruda, Fernando de los Ríos, Ramón J. Sender, Octavio Paz, Nicolás Guillén, Iliá Ehrenburg, André Malraux, Rafael Alberti, John dos Passos, Julien Benda, Martín Andersen-Nexö, Anna Seghers, Tristán Tzara, Emilio Prados, María Teresa León, Arturo Serrano Plaja, Juan Gil-Albert, Herrera Petere, Lorenzo Varela, Miguel Hernández, Ramón Gaya, Juan Marinello, André Chamson, Jef Last, Malcon Cowley, Feedor Kelyin, etc. Al volver a su país se alistó en el servicio de bomberos de Londres donde tuvo parte activa durante la Segunda Guerra Mundial. De 1939 fue director de la revista Horizon y de 1953 a 1967 de la revista Encounter. Enseñó en distintas instituciones americanas, ocupando en 1953 la cátedra Elliston Chair de la Universidad de Cincinnati. Desde 1970 hasta 1977, fue profesor de inglés en el University College de Londres y en 1983 recibió el título de sir.
Entre sus primeras colecciones poéticas destacan Poesía (1933), en la que defiende al movimiento obrero radical, Viena (1934, un largo poema en homenaje al levantamiento de los socialistas vieneses, y Poesías de España (1939); posteriormente aparecieron El centro inmóvil (1939), Ruinas y visiones (1942), la recopilación titulada Poesías selectas (1964) y Los días de la abundancia (1939). En 1938 escribió un drama antifascista en verso, con el título Proceso a un juez. Entre su obra crítica destacan los ensayos El elemento destructor (1935), El elemento creativo (1954), La escritura de un poema (1962) y ¿Modernos o contemporáneos? (1963). En 1951 publicó la obra autobiográfica, Mundo dentro del mundo; en 1982, Diario de China; y en 1985, Diarios 1939-1982. Además tradujo al inglés a poetas como Rilke, Eluard, Schiller, y Federico García Lorca.
Queremos finalizar con algunas de las palabras pronunciadas por Spender en el II Congreso de Escritores: “Nosotros recordamos todos, con la más profunda emoción, lo que vimos ayer en un pueblecito donde almorzamos: Los niños, cantando La Internacional delante de nuestras ventanas, bailando, saludándonos; las mujeres, que lloraban la ausencia total de sus hombres, me preguntaban si no había un miembro del Congreso que pudiese explicarlas en español si habíamos comprendido su suerte”.
Francisco Arias Solis
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Si quieres la paz, trabaja por la justicia.

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Gracias.

ALPHONSE DAUDET
(1840-1897)

“Allí no se veía un solo árbol del país, ni una sola flor francesa,
todas eran plantas exóticas, árboles de goma, algodonero,
bananos, cocoteros, palmeras, cactus y otros, pudiendo hacerse
cualquiera la ilusión, al entrar en aquel recinto, que se estaba
en plena África y a miles de leguas de Tarascón.”.
Alphonse Daudet.

LA VOZ DE UN PENETRANTE OBSERVADOR

Todo lo que tenía o quiso tener de científico Zola, lo tuvo de artista Daudet, que iba recibiendo y copiando cuidadosamente en su álbum de croquis y apuntes las impresiones de la realidad. No era hombre de grandes teorías: la mejor y más sencilla para él fue que el procedimiento para escribir una buena novela era empezar por vivirla. Ejemplo de ello, El poquita cosa, una especie de autobiografía, con mucho, también, de la vida del mismo Daudet en sus demás obras, leídas con encanto por los jóvenes de fines del siglo XIX.

Escritor de la Provenza, región que con sus características y paisajes aparece con frecuencia en sus obras. También influyó en su peculiar forma de escribir. Plasmó en sus novelas sus impresiones y sensaciones, pero sin amargura; aun cuando describe la miseria de ciertos ambientes, los rodea de poesía. En conjunto, Daudet es un autor simpático, notable por su viva y ligera expresión, por ser un penetrante observador. Ingenioso unas veces, otra patético, es realista fácil y documentado sin alardes de precisión; sobresale como Dickens, en las pinturas de niños del pueblo y de las vidas angostas y sin alegría. Su arte, nervioso y vibrante, es más agradable que profundo; usa de procedimientos un tanto fáciles, trata de conmover al lector valiéndose de expedientes demasiados directos, pero es vigorosamente simpático y humano.

Alphonse Daudet nace en Nimes el 13 de mayo de 1840 y muere en París el 16 de diciembre de 1897. Su infancia transcurre en Provenza. Cursa sus estudios secundarios en Lyon. Tras la ruina de sus padres, abandona los estudios y se traslada a París a la edad de diecisiete años en compañía de su hermano mayor, Ernest. Ambos estuvieron un tiempo al servicio del duque de Morny, director de Le Figaro. Fue miembro de la Academia Goncourt (1874-1880).

Su carrera de escritor se inicia con la publicación del poemario Las enamoradas (1858), que le da cierta notoriedad y le abre las puertas de diversos periódicos y revistas culturales. Su infancia en Provenza es evocada en los célebres cuentos reunidos en Cartas desde mi molino (1866), tema que retomará en la novela El poquita cosa (1868), así como en la trilogía narrativa Tartarín de Tarascón (1872) llena de humor y poesía y una de sus obras más internacionales, Tartarín en los Alpes (1885) y Puerto Tarascón (1890). Incursiona en el teatro con dramas como La arlesiana (1872), cuyo argumento extrae de uno de los relatos de Cartas desde mi molino, y que posteriormente inmortalizaría Bizet en una pieza musical. Influido por el realismo y el naturalismo de la época, edulcorados por una delicada sensibilidad y un equilibrado dominio de la fantasía, escribió varias novelas: Fromont el joven y Risler el mayor (1874), sobre el mundo del comercio y de la industria en un ambiente parisino, Jack (1876), El nabab (1877), centrada en la figura del duque de Morny, Numa Roumestan (1880), Safo (1884) y El inmortal (1888), sobre el mundo académico. Los Cuentos del lunes (1873), en los que rememora sus experiencias durante el sitio de París por parte de las tropas prusianas, completan su producción narrativa. En 1888 vieron la luz sus libros de memorias Treinta años de París y Recuerdos de un hombre de letras. Y como dijo el penetrante observador francés: “Los hombres envejecen, pero no maduran”.

Francisco Arias Solis
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La fórmula salvadora es paz, libertad y justicia.

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Gracias.

LAWRENCE DURRELL
(1912-1990)

“Una idea es como un pájaro que no se puede ver.
Lo que uno ve es el temblor de la rama
que acaba de abandonar.”
Lawrence Durrell.

LA VOZ DE UN GRAN NARRADOR

Lawrence Durrell, gran amigo de Henry Miller, antes que novelista fue poeta. Su obra cumbre, con la que ha afirmado su fama universal de gran narrador y poeta, es El cuarteto de Alejandría, compuesto por: Justine (1957), Balthazar (1958), Mountolive (1959) y Clea (1960).

En El cuarteto de Alejandría aprovecha la experiencia de su estancia en Egipto durante la segunda guerra mundial. Darley, el narrador, de hecho el mismo Durrell, recordando a sus amigos Justine y Nessin, Balthazar, Melisa, Leila, Capodistria, Pusewarden y Clea, se recrea en mostrarnos a “La bien amada Alejandría” y el argumento que anima la novela desde los más distintos ángulos de vista, nos conduce a concluir, como Ortega y Gasset, que las distintas verdades sobre una misma cuestión, persona o historia, no se oponen, sino que se complementan. A través de esta obra impresionante, Durrell plantea la posibilidad de una nueva técnica de narrar, que es también una nueva y poética visión del mundo y el hombre.

Lawrence George Durrell nació en Julundur, India , el 27 de febrero de 1912 y falleció en Sommières, Francia, 8 de noviembre de 1990. Hijo de unos colonos británicos, su padre trabajaba de ingeniero en la India. Hermano de Gerard Durrell, defensor del equilibrio de especies en el planeta y autor de libros de aventuras y de historias de animales. Lawrence Durrell estudió en el colegio de los jesuitas en Darjeeling y posteriormente fue enviado a la escuela de Saint Edmund de Canterbury. Miembro de la Real Sociedad de Literatura (1954), fue agregado de prensa en Chipre, Atenas, El Cairo, Alejandría y Belgrado, director de relaciones públicas en el Dodecaneso y director de los institutos británicos de Kalamata (Grecia) y Córdoba (Argentina).

Inició su carrera de escritor a partir de la lectura de Henry Miller, con quien mantuvo una correspondencia de más de un cuarto de siglo, editada en 1963, resultando un denso diario de cada uno de los escritores. El gusto por los ambientes mediterráneos prevalece en gran parte de su obra. Tanto la estructura como el estilo de la prosa llamó la atención rápidamente por su evocación y su lirismo impresionista. Sus intenciones son renovadoras y experimentales, formalistas, siguiendo los pasos de Joyce. El tema explícito es el análisis del amor moderno en sus diversos aspectos que, como D. H. Lawrence, trata de liberar la novela inglesa, apuntando que el amor sexual es una forma de conocimiento. La magia de su lenguaje, evocador, sensual e impresionista, patente en su célebre tetralogía El cuarteto de Alejandría, se hace aún más notoria en el Quinteto de Aviñón (“quincunx”, en la denominación de Durrell ), formado por las novelas Monsieur o el principio de las tinieblas (1974), Livia o enterrado en vida (1978), Constance o las prácticas solitarias (1982), Sebastián o el dominio de las pasiones (1983) y Quinx o el relato del asesino (1985), en el que un grupo de amigos se reúne en una casa de Aviñón. En ambos ciclos novelísticos Durrel demuestra sus grandes dotes de penetración psicológica en la descripción del entramado de situaciones en que los personajes se ven envueltos. Es autor asimismo de las colecciones de poemas Ciudades, llanos y gentes (1946) y Deus loci (1950), y de la pieza teatral Safo. Sus últimos libros fueron El vasto fantasma de César (1984) y Antrobus completo (1985). Y como dijo el novelista y poeta que nunca tuvo la ciudadanía británica: “La ciencia es la poesía del intelecto y la poesía es la ciencia del corazón”.

Francisco Arias Solis
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La primera condición para la paz es la voluntad de lograrla.

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CARLO GOLDONI
(1707-1793)

“El mundo es un libro hermoso,
que muy poco vale para el que no sabe leer.”
Carlo Goldoni.

LA VOZ DEL PADRE DE LA COMEDIA MODERNA ITALIANA

Carlo Goldoni es el mayor cómico de Italia, creó un teatro excelente, aunque no de los más altos vuelos; pero de tal importancia que no se ha olvidado aún, como con otros ocurre. Fue un agudo observador del corazón humano, un fecundísimo productor de situaciones teatrales, de interesantes intrigas generalmente de carácter burgués, no muy elevado, procedentes, por lo común de su ciudad de Venecia, buen pintor de tipos, caracteres y costumbres, aunque, a veces, cargue un poco la mano en ellos, como se observa en El embustero. Se trasluce en esta obra la imitación de Corneille, quien, a su vez, imitó a Lope de Vega. Según opinión ya admitida, las mejores comedias de Goldoni son las que escribió en dialecto veneciano, que parece haber conocido más a fondo que la lengua italiana.

Carlo Goldoni nació en Venecia el 25 de febrero de 1707 y falleció en París el 6 de febrero de 1793. Hijo de un médico, cuando tenía cinco años su padre se marchó a Roma, dejándolo sólo con su madre. Estudió en Rímini, Pavía y Padua, ciudad esta última, donde se graduó en leyes, ejerció algún tiempo la profesión de abogado en Pisa y llegó a ocupar cargos diplomáticos en Milán y Génova. Obtuvo cierto éxito con alguna obra cómica, lo que decidió su dedicación al teatro. Más que un escritor es un “hombre de teatro”. Trabaja durante doce años en una de las grandes compañías cómicas de Venecia. Su producción es muy fecunda: entre comedias, tragicomedias e “intermezzi” se cuentan más de doscientas. En 1762, tras el eco de algunas polémicas en la que se encontró sumido, aceptó una invitación a París, donde fue profesor de italiano de las princesas, pero al sobrevenir la Revolución se le retiró la pensión y murió en la miseria.

Su producción teatral, escrita la mayor parte de ella en dialecto veneciano, tuvo gran importancia en su época por la descripción de tipos y ambientes. Luchó contra la “commedia dell’arte” (espectáculo teatral basado en la improvisación de personajes-tipo en la que los actores la mayor parte de los cuales llevaba una máscara que los identificaba, eran también músicos, bailarines, mimos o acróbatas), a la que intentó sustituir por la “commedia di carattere”, en la que cobra especial relevancia la descripción de los caracteres de los personajes y las circunstancias que los rodean. De entre sus numerosas obras destacan: La mujer garbosa (1743), El servidor de dos amos (1745), La viuda astuta (1748), que presenta ya un personaje central sobre el que se construye la historia, Pamela, primera comedia de Goldoni sin máscaras, El café (1750), La posadera (1753), una de sus obras más difundidas y llevada al cine en las primeras décadas del siglo XX, Il campiello (1756), escrita en dialecto, Los enamorados (1759), en las que ya tienen importancia los personajes, Los rústicos (1760), La casa nueva (1760), La trilogía del veraneo (1761), Las riñas en Chioggia (1762), Don Teodoro regañón (1762), y El abanico (1765), obra escrita al estilo de la “comedia dell’arte” por solicitación del público francés. Es curioso que entre las escogidas como mejores, se cite también una mediana que escribió en francés y se representó en París, con no muy buen éxito, hallándose allí el autor: El gruñón bienhechor (1771). Al parecer Goldoni manejaba el francés casi mejor que el italiano, como otros autores de su tiempo, cuando menos así opinan, acaso con exageración, críticos italianos descontentos de los defectos que hallan en su estilo. Ya en París, en el ocaso de su vida, publicó en francés sus Memorias (1784-1787), retrato de una vida pintoresca y aventurera y documento apasionante sobre la vida y el teatro del siglo XVIII. Y como dijo el comediógrafo italiano: “El que no sale nunca de su tierra está lleno de prejuicios”.

Francisco Arias Solis
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Apostemos con el corazón en la mano por la paz.

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GUY DE MAUPASSANT
(1850-1893)

“Nuestro gran tormento en la vida proviene
de que estamos solos y todos nuestros actos
y esfuerzos tienden a huir de esa soledad”.
Guy de Maupassant.

LA VOZ DEL MAESTRO DEL CUENTO

Guy de Maupassant es el autor famoso de Una vida, Pedro y Juan, Bel ami, Fuerte como la muerte y Nuestro corazón, etc.; pero aunque importante en la novela, en lo que quedó consagrado como maestro insuperable fue en el cuento, en la novela corta, que cincelaba como nadie en su época. Su estilo sobrio y preciso prestábase a ello grandemente, no menos que su habilidad y elegancia artística. No tuvo la franca popularidad de Zola y de Daudet; pero sí el aprecio de los del oficio, de la crítica y de la parte más inteligente del público.

Ahijado y discípulo de Flaubert, empezó militando en las filas naturalistas bajo la bandera de Zola, estas dos influencias unidas, le llevaron a un realismo absoluto, seco, implacable e irónico. Maupassant se hizo célebre desde sus primeros cuentos y publicó luego un crecido número de ellos, en los que reviven pequeños burgueses parisienses, campesinos normandos, cuyas bajezas, mañas, actos grotescos, atroces o vulgares aparecen retratados con una seguridad y un arte impecables.

Guy de Maupassant nace en el castillo de Miromesnil, cerca de Torville –sur- Arques, Normandía, y muere en París el 6 de julio de 1893. Su infancia se vio entristecida por las continuas disputas de un padre disoluto y violento y una madre neurótica. Estudió en el Liceo Napoleón, en el colegio eclesiástico de Yvetot, de donde fue expulsado al encontrársele una poesía irreverente, y finalmente en el Liceo de Rouen. Llamado a las armas participó en la guerra franco-prusiana. Posteriormente trabajó como empleado en el ministerio de Marina. Empezó a escribir a la edad de treinta años bajo la influencia personal y literaria de Gustave Flaubert, amigo de su madre, y consiguió vivir lujosamente de la literatura. Fue un magnífico narrador, cuyas dotes le consagraron como uno de los principales exponentes del naturalismo. En 1876 comienza a colaborar en varios periódicos y revistas con el seudónimo de Guy de Valmont. Famoso por sus aventuras amorosas, amigo de prostitutas y a la vez de damas de alta sociedad, Maupassant frecuentó ambos mundos indistintamente. Era deportivo, practicaba el piragüismo y se sentía orgulloso de su fuerza. A consecuencia de la sífilis, sufre problemas nerviosos e intenta suicidarse el 1 de enero de 1892. Pocos días después es ingresado en un manicomio, donde morirá al cabo de dieciocho meses, periodo que transcurrió en una inconsciencia casi total, aunque con periódicas crisis violentas que requerían de la camisa de fuerza.

Entre 1880 y 1891 publicó unas trescientas narraciones cortas y seis novelas. En sus relatos se advierte un extraordinario poder de observación, un magnífico trazo en el retrato de personajes y ambientes, así como un estilo personalísimo y vigoroso, que ofrecen un cuadro amargo y despiadado de la pequeña burguesía de la época. A medida que su enfermedad avanzaba, los temas de sus obras se hicieron más humano. En sus últimas narraciones domina la angustia y la idea del suicidio. Entre su obra destacan el hoy celebérrimo cuento Bola de sebo (1880), aparecido en el volumen colectivo Las novelas de Médan; las novelas Una vida (1883), Pedro y Juan (1884), Bel ami (1885), Fuerte como la muerte (1889) y Nuestro corazón (1890); y los libros de relatos La casa Tellier (1881), Los cuentos de Bécasse (1883), Las hermanas Rondoli (1883), El horla (1887) y La mano izquierda (1889).

El terror que expresa en sus cuentos no eran sino un intento de sublimar su propio terror. Pues como nos dijo el mejor cuentista de la historia de la literatura: “Tengo miedo de mi mismo, tengo miedo del miedo, pero, ante todo, tengo miedo de la espantosa confusión de mi espíritu, de mi razón, sobre la cual pierdo el dominio y a la cual enturbia un miedo opaco y misterioso”.

Francisco Arias Solis
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Si quieres la paz, prepárate a vivir en paz con todos los hombres.

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Gracias.

FORO LIBRE
ASOCIACION CULTURAL, ARTISTICA Y LITERARIA

Francisco Arias Solís - Presidente ~ Plaza San Severiano, 2 ~ 11007 - CADIZ
e-mail: pazylibertad@arrakis.es
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“L’imagination prend le pouvoir.”
(Escalier. Sciencies Po.)

HOMENAJE DE FORO LIBRE AL MAYO FRANCES

El próximo lunes, día 12, a las 20.30 horas, en la cafetería-restaurante El Cantábrico (Avda. Cayetano del Toro, 21 - Cádiz), la Asociación Cultural, Artística y Literaria FORO LIBRE celebrará un encuentro literario sobre el mayo del 68, con motivo de su 40º aniversario

Cuarenta años han transcurrido desde aquel mayo francés de 1968. Los observadores superficiales de la vida europea casi han dado al olvido aquellas jornadas sorprendentes, cuando un grupo de jóvenes universitarios y de trabajadores tuvieron en jaque, durante semanas a la misma infraestructura del poder establecido.

¿Cómo fue posible que un puñado de jóvenes sin organización pudiera liberar fuerzas tan poderosas? Por unos días todo pareció tambalearse, todo cuanto constituía el residuo ceremonial de la vieja civilización muerta. Ni los grandes partidos, ni las poderosas centrales sindicales, pudieron conectar con los resortes íntimos de aquel despliegue de imaginación. Una revolución tan ostensiblemente pura, tan rabiosa y tan humana que iluminó por unos días a Francia con las chispas precursoras del futuro.

Solo la estulta burguesía pudo celebrar como una victoria la frustración de aquel largo y juvenil mayo de 1968, y la aparente consolidación del establishment.

Pero las grandes cabezas del pensamiento como los hombres más honestos y mejores sintieron que la primavera de 1968, no sería recordada, en el futuro, como la historia de una gigantesca huelga ni como la rebelión sin causa de los hijos bien alimentados de la burguesía; sino como la señal más terminante de indignación contra un mundo injusto en el que estamos todos inmersos oyendo siempre promesas incumplidas pidiendo paciencia y condenando todo brote de protesta.

Aquellos jóvenes supieron entenderse entre ellos por encima de las viejas oligarquías partidarias y de las esperpénticas normas burocráticas. Es más que posible que no supieran con claridad qué futuro reclamaban, pero sabían muy bien el presente que rechazaban. Por eso los jóvenes de todo el mundo occidental sintieron como suyo el mayo francés de 1968.

En aquella primavera al mismo tiempo que las flores empezaban a hablar las paredes, secularmente sordomudas, de la Sorbona y de otros edificios cultoparlantes. Los muros hablaban y en ellos escribía la mano popular afirmaciones y definiciones, a veces sorprendentes por su vivo acierto creador, imaginativo, poético. Por su breve y violento, o apacible lenguaje improvisado.

La cal ardiente cayó sobre los muros de las Universidades. Pero los muros siguen hablando con sus versos: La imaginación al poder; La poesía está en la calle; Las libertades no se dan, se toman; Sólo la verdad es revolucionaria; Prohibido prohibir...

Contra los sistemas represivos, en cualquiera de sus variantes, los jóvenes de hoy, hijos de aquella juventud del 68, quieren, claramente, rotundamente libertad.

No hagamos las paces con la guerra, ni tampoco levantemos guerras con la paz.

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PIERRE AUGUSTIN CARON DE BEAUMARCHAIS
(1732-1799)

“Yo me río de todas las cosas
por miedo a verme obligado a llorar.”
Beaumarchais.

LA VOZ DEL CREADOR DE FIGARO

De Beaumarchais puede decirse que es uno de los pocos autores franceses del siglo XVIII que se leen y releen con gusto, sean los que fueran los defectos que éste tenga. Dos obras maestras han bastado para mantener constantemente su gloria y ambas se las debe a España, donde estuvo atendiendo negocios de carácter muy práctico, al mismo tiempo que resolvía otros que afectaban al honor de su hermana. En la vida aventurera de Beaumarchais se mezcla todo, empresas comerciales, financieras, políticas y literarias, como se confundía lo malo con lo bueno. No fue verdadero y exclusivo literato; le importó poco que lo que escribía lo inventara él o lo hallara en predecesores a quienes disfrazaba muy bien para que no se les reconociera; pero así y todo, muy alegre, muy despreocupado, como quien juega en sus ratos de ocio, creó unos cuantos tipos que no se olvidan. Como hombre, el especulador, el millonario, el diplomático, el intrigante, amigo y secretario de Luis XVI, ha sido juzgado con extrema severidad en su propio país, y lo menos que de él ha dicho alguien es que su desvergüenza no tiene límites, aunque acaso valiera él más que su detestable reputación, como a un barbero de Sevilla le ocurría, aquel barbero en que se supone que se retrató a sí mismo.

Pierre Augustin Caron de Beaumarchais nace en París el 24 de enero de 1732 y muere en la capital francesa el 18 de mayo de 1799. Hijo de un relojero, inició su vida dedicándose a este oficio, que posteriormente abandonó. En 1756 contrae matrimonio con Madelaine-Catherine Aubertin, viuda Franquet, mayor que él, y añadió a su nombre el de Beaumarchais, perteneciente a una propiedad de su esposa, quien murió un año después. A los treinta años era ya escudero y consejero real. Socio del más importante banquero de su tiempo París Duverney, sus negocios le llevaron, entre otras actividades, a proveer a las tropas españolas, traficar con esclavos para las colonias, construir carreteras y naves, convencer al rey y sus ministros de la necesidad de apoyar la insurrección estadounidense y editar obras de Voltaire. Se volvió a casar en 1768 con Geneviéve-Madeleine Wattebled, viuda de Lévêque, que murió dos años más tarde, dejando una importante fortuna. En 1786, se casa de nuevo con Marie Thérése de Willer-Mawlas. Realizó misiones secretas para Luis XV y Luis XVI. Fundador en 1777 de la Sociedad de autores y compositores dramáticos, obtuvo durante la Revolución francesa el reconocimiento de los derechos de autor. Fue nombrado miembro provisional de la Comuna de París. En 1789 los revolucionarios le consideraron sospechoso y le encarcelaron en la Abadía, aunque pudo escapar del cadalso. Se exilió a Hamburgo y volvió a Francia en 1796.

Beaumarchais trajo consigo el mejor desarrollo de la idea, ya iniciada por Diderot, del drama, género monstruoso, como él dice en broma, colocado entre la tragedia y la comedia, sin ser una cosa ni otra, y dos alegres, célebres comedias, escritas de un modo muy personal, una de ellas, Le Mariage de Figaro, de gran trascendencia social. Es uno de los primeros golpes de aquella revolución política de la que él mismo quiso sacar partido después. Muy claro había visto Luis XVI cuando al principio se opuso a que la obra se representara, diciendo: “Este hombre se burla de cuanto hay que respetar en un gobierno”. Sin embargo, al fin, la familia real transigió con aquella obra juzgada como subversiva e inmoral, y nada más elocuente que el dato de que, en una de las representaciones privadas de El barbero de Sevilla, la reina no se negara a aceptar el papel de Rosina. Beaumarchais había triunfado a fuerza de habilidad, de paciencia y de intrigas en la corte, la cual impuso su voluntad al rey.

Su primera comedia, Eugenia (1767), está inspirada en un viaje que hizo a España para vengar el honor de su hermana, poco años después publicó el drama Los dos amigos (1770). Sus obras teatrales El barbero de Sevilla (1775) y Las bodas de Fígaro (1784) gozaron de gran éxito, que se vio acrecentado al inspirar a Rossini y a Mozart, respectivamente, sendas óperas famosas. Pasó de la sátira tradicional en El barbero a la sátira social y política de Fígaro (el lacayo triunfa sobre el amo), anunciando las ideas de la Revolución. A estas dos obras aún seguiría una tercera parte La madre culpable (1792), cuyo tono desengañado se corresponde con la situación creada por la Revolución. Escribió también Memorias (1773-1774), brillante sátira social. Y como dijo el dramaturgo francés: “No mires nunca de donde vienes, sino a donde vas”.

Francisco Arias Solis
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La libertad no la tienen los que no tienen su sed.

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Gracias.

VLADIMIR MAIAKOVSKI
(1893-1930)

“Al César lo que es del César,
a Dios lo que es de Dios.
Y al que es como yo
¿qué le queda?”
Vladimir Maiakovski.

LA VOZ DEL MAYOR POETA REVOLUCIONARIO

Maiakovski es uno de los fundadores del futurismo ruso. Su meta era la creación de un idioma nuevo. Los futuristas se rebelaban contra la rigidez de todas las reglas cualesquiera que fuesen. Fogoso, anticlásico, llegaba a rechazar a Dostoievski y a Tolstoi, y de una gran personalidad, halló en la revolución la expresión de su auténtica personalidad, ejerciendo gran influencia sobre la juventud de su tiempo a la vez que agrupaba a su alrededor a todos los poetas revolucionarios, salvo a Esenin y Pasternak. Comparado frecuentemente con Walt Whitman, es considerado el mayor poeta revolucionario. Una de sus poesías características, ejemplo de su estilo y fuerza es, “Al César lo que es del César”.

Vladimir Vladimirovich Maiakovski nació en Bagdadi (actual Maiakovski) el 7 de julio de 1893. Hijo de un inspector forestal, recibió una educación muy elemental. Durante el zarismo inicia su actividad política afiliándose al Partido Obrero Socialdemócrata de Rusia. A los trece años es detenido por primera vez acusado de formar parte de una imprenta clandestina del Partido Comunista. En 1911 comienza su actividad literaria con el grupo de los futuristas, del que se convertiría después en su figura central. Participó en la redacción del Manifiesto Futurista “Bofetada al gusto del público”.

Tras la revolución de 1917, Maiakovski pasó a ser activo defensor de las posturas del régimen y propagandista de la cultura soviética, incorporando a la naciente literatura comunista una calidad estética innegable. Considerado el poeta del nuevo sistema, en 1923 organizó en torno a la revista Lef el grupo “Frente Artístico de la Izquierda”, de orientación futurista-comunista, con el que escribió sus mejores poemas.

El 14 de abril de 1930 Vladimir Maiakovski se suicidó de un disparo en la cabeza. Antes de suicidarse había escrito: “¡A todos! / No se culpe a nadie de mi muerte y, por favor, / nada de chismes. Lili ámame.”

En su obra emplea un tono a la vez irónico, apasionado y audaz. Entre sus poemas destacan 150.000.000 (1921), poema épico-burlesco que alude al volumen de la población rusa de la época y que es canto a las “esperanzas del pueblo ruso” y Lenin (1925), una elegía con motivo de la muerte del dirigente bolchevique en la que hace un canto apasionado al movimiento obrero. Otras muy obras muy conocidas de Maiakovski son: La nube en pantalones (1915), Mi descubrimiento de América (1925) y ¿Qué está bien y qué está mal? (1927). Son también interesantes sus comedias La chinche (1928), sobre un previsible gris y ascético, y El baño (1929), crítica irónica de la burocracia. Fue muy celebrada la tragedia Vladimir Maiakoski, estrenada en 1913 en el teatro Luna Park de Petersburgo, por la compañía del Primer Teatro Futurista del Mundo, formada fundamentalmente por estudiantes, representando el autor al protagonista de la obra. Y como dijo nuestro poeta: “En esta hora del mundo / en que nos encontramos, / lo difícil no es morir, / sino seguir viviendo / y luchando”.

Francisco Arias Solis
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La paz no se reduce a la ausencia de guerras

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Gracias.

SAUL BELLOW
(1915-2005)

“La novela es una suerte de escuela rudimentaria
donde uno aprende los problemas más importantes de la vida.”
Saul Bellow.

LA VOZ DE UN NOVELISTA CONSAGRADO

Saul Bellow es quizá el escritor más representativo de la generación que comenzó a escribir en 1940. De padres judíos, procedentes de Rusia, creció en una gran ciudad Chicago, y estudió antropología y sociología, siendo luego profesor universitario. Es el representante de una generación de escritores profesores algo similar a nuestros nietos del 98. Su primera novela publicada en 1944, se manifestó en la línea de la literatura de rechazo, paralela a la poesía “beat” y a la postura de los “iracundos”, aunque matizando a sus personajes con profundas incertidumbres y anteponiendo los problemas individuales a los del conjunto.

Saul Bellow nació en Lachine, Québec, el 10 de junio de 1915 y falleció en Broolkline, Massachussetts, el 5 de abril de 2005. Perteneció a una familia de emigrantes rusos establecida primero en Canadá y luego en Chicago. Estudió en la Universidad de Northvestern y fue profesor de la de Chicago. Participó en la II Guerra Mundial con la Marina Mercante. Estuvo casado en cinco ocasiones. Ganó el Premio Nacional estadounidense de Literatura en 1953 y en 1965. En 1976 recibió el premio Pulitzer y el premio Nobel de Literatura. Cuando le preguntaron cómo se sentía después de ganar el Premio Nobel respondió: “No lo sé. Aún no escribí sobre eso”.

Heredero de las culturas judía, rusa y americana, la vida de Bellow simboliza la precaria condición espiritual del hombre moderno; sus héroes buscan siempre, en mayor o menor medida, la verdad, y son por lo general víctimas y perdedores en una sociedad que considera el dinero y el éxito como únicos valores. Mientras los héroes de Hemingway tratan de encontrar su identidad en la acción, los de Bellow la buscan en la introspección. Su obra, reflejo de una conciencia escéptica y teñida de un humor que muchas veces raya en lo sórdido, logra un perfecto equilibrio entre lo formal y lo conceptual.

Entre sus novelas figuran: El hombre en suspense (1944), Las aventuras de Augie March (1953; premio Nacional de Literatura), en la que se mezclan elementos de la picaresca y la crónica de costumbre, Henderson el rey de la lluvia (1959), Herzog (1964), novela con la que en 1965 volvió a obtener el premio Nacional de Literatura y que le consagró definitivamente como una de las figuras clave de la narrativa estadounidense contemporánea, y Carpe Diem (1956). Escribió además Las memorias de Mosby (1968), El planeta de Mr. Samler (1970), ganadora del Nacional Book Award, El legado de Humboldt (1975), Ida y vuelta a Jerusalén: un asunto personal (1976), El diciembre del decano (1982), el libro de relatos El hombre que habitaba demasiado y otros cuentos (1985) y Más mueren de infarto (1987).

Herzog, considerada como una de las grandes novelas norteamericanas de todos los tiempos, es la que, al convertirse en un bestseller indiscutible, le proporcionó el prestigio de un novelista consagrado. En esta novela nos muestra a un universitario de unos cuarenta y tres años, seguramente los suyos, crucificado por una sociedad que lo desea y destruido por una esposa que lo humilla. Su personaje se refugia en el absurdo, como único medio para continuar alentando su deseo de vida, de humor, y también de amor. Y como dijo el novelista norteamericano: “Un escritor es un historiador imaginativo que puede acercarse más que los sociólogos a la realidad contemporánea”.

Francisco Arias Solis
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La paz pide una oportunidad.

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Gracias.