FRANCISCO ARIAS SOLIS
INTERNAUTAS POR LA PAZ Y LA LIBERTAD, FORO LIBRE, LITERATURA.

DANTE ALIGHIERI
(1265-1321)

“Y no existiendo en mí fin ni mudanza
nada me precedió sino Dios mismo.
Los que entrasteis perded toda esperanza.”
Dante Alighieri.

LA VOZ DE LA VISION DANTESCA

De Dante, una de las más importantes figura de la literatura universal, ha escrito el excelente crítico y erudito profesor inglés Edmund Gardner que no sólo es “el supremo poeta de la nación italiana, sino tal vez la mayor figura surgida en la literatura mundial”. Y añade luego: “Dante Alighieri es el símbolo de aquella esencial e inquebrantable continuidad entre la Roma clásica y la Italia moderna. Es él, hasta cierto punto, el intérprete de su pasado y el profeta de su futuro. No es sólo su más alto poeta, sino el héroe nacional de Italia. Hombre de acción, tanto como de pensamiento, luchó en medio de torbellino de la política de su tiempo para llevar lo que constituía su sueño desde la esfera de las ideas a la de los hechos; primero, el sueño de la ciudad-estado, por el cual tan virilmente peleó dentro de las murallas de Florencia, “la más bella y más famosa hija de Roma”, y luego, cuando, en 1302, salió para el destierro bajo la amenaza de una pena de muerte, si regresaba, y sus ojos se abrieron ante un horizonte político más vasto, aquel otro sueño de una restaurada unidad de civilización en un renovado imperio romano, sueño de paz y de libertad para todos los hombres, en el cual Italia había de representar el papel de directora. Por ello ha podido decirse que Dante murió entonces para Florencia, y resucitó convertido en un ciudadano de Italia”.

Dante Alighieri nació en Florencia el 14 de mayo de 1265 y falleció en Rávena el 14 de septiembre de 1321. De familia güelfa; muy pronto intervino en la política de su ciudad natal. En 1300 fue uno de los priores de la ciudad; pero en 1302 fue condenado al destierro por orden de Corso Donati y luego fue condenado a muerte en rebeldía. Viajó por toda Italia, estableciendo su residencia en Verona y finalmente en Rávena, hasta su muerte.

Habla el mismo Dante en su Divina Comedia (Purgatorio) del “dolce stil nuovo”, porque ese estilo en la poesía era distinto del usado hasta entonces por los poetas cultos, que tendían a la imitación provenzal. El primer gran maestro de esta escuela poética, llevada después a la perfección por Petrarca, fue Dante, en sus poesías de la Vita Nuova, obra en que se mezclan la prosa y el verso o, mejor dicho, en la que la prosa no es más que un pretexto para ir presentando por orden cronológico una serie de composiciones que cuentan la historia del amor que le inspiró Beatriz, aquella Beatriz que tanto se ha discutido si fue símbolo o mujer real: la hija del caballero de Florencia Folco Portinari. Al fin, parece haberse inclinado la opinión general a que fue una realidad, idealizada por Dante, y que verdaderamente se trataba de Beatriz Portinari, a quien el poeta conoció y amó desde niño, la cual, después de casarse, no con él, sino con un noble florentino, murió en 1291, a los veinticuatro años de edad.

Ni todas las composiciones de la Vita Nuova son del “stil nuovo” ni en aquella obra figuran todas las poesías líricas de Dante. Varias fueron excluidas por aludir a otra mujer (Pietra), amada menos espiritualmente, y diversas canciones estaban destinadas a formar parte de la obra el Convivio.

En los comienzos de su destierro empezó a escribir Dante dos obras en prosa que dejó sin acabar: De vulgari eloquentia (por los años de 1304) y el Convivio (alrededor del año 1307). Trata la primera de la lengua italiana y del arte de la poesía y la segunda es hija del propósito de poner al alcance de todos la filosofía escolástica. Con tales trabajos mezclaba otros escritos en latín, como el tratado acerca de Monarchia (hacia el año 1313), y ya cerca del final de su vida, dos poemas pastoriles.

Nada se sabe con toda seguridad acerca del año en que comenzó a escribir La Divina Comedia, poema alegórico del que mismo autor dijo que “el asunto de toda la obra, ateniéndose solamente a la letra, es el estado de las almas después de la muerte; pero tomando aquella letra en sentido alegórico, el asunto es el hombre, que por su libre albedrío, va con sus méritos o sus deméritos a presentarse frente a la Justicia, para recibir la recompensa o el castigo”. La Divina Comedia, considerada una de las obras cumbre de la literatura universal, está compuesta por cien cantos escritos en tercetos endecasílabos y se divide en tres partes: el Infierno, el Purgatorio y el Paraíso. El poema, con una estructura perfectamente calculada en función del número tres, símbolo de la Santísima Trinidad, nos relata el viaje imaginario que el poeta, a la edad de treinta y cinco años, realiza a los reinos de ultratumba, acompañado por Virgilio en su recorrido por el Infierno y el Purgatorio, y por Beatriz en el del Paraíso, aunque en los últimos cantos le acompaña san Bernardo.

En Dante se hace todo cuestión personal. Por eso su afirmación dramática toma acento predominantemente lírico, haciendo una epopeya del misterio humano del alma: o sea, de aquello que es exclusivamente personal de todos y cada uno de nosotros. Por eso es el mayor poeta, el más excepcional y único. Es, como si dijéramos, el santo de los santos de la poesía. Mostrándonos esa triple fisonomía de su personalidad humana, inseparable de su personalidad poética: la de solitario, soñador y desterrado eterno.

¿Cómo se nos manifiesta la visión dantesca? Desde luego por la poesía, por su propia poesía. Todo el Infierno de Dante, tan poblado de numerosísimos habitantes, se nos manifiesta con plenitud de mal o de males. Y ese inmenso conjunto de visibles o invisibles figuraciones podemos decir que nos llena, efectivamente, de espanto y de horror, o de espantos y horrores. Si de una manera material el Infierno de Dante pudiera visitarse como otro de los tantísimos lugares de turismo artístico en Italia, seguramente el número de turistas curiosos, sería muchísimo mayor en él que si pudiesen visitarse del mismo modo los otros lugares del poema: el Purgatorio y el Paraíso.

La voz humana del poeta del “dolce stil novo” se hace voz divina, en la Divina Comedia. La voz del solitario, desterrado, soñador, creador de la visión dantesca nos deja un mensaje de amor, de piedad, de esperanza. Y como dijo mayor de los poetas: “Soy yo quien me hablo a mí y ante la bella / membranza de Beatriz, todo destella / y lo entiende mi mente iluminada”.

Francisco Arias Solis
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Paz y libertad.

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Gracias.

HYPPOLYTE TAINE
(1828-1893)

“Nada es más peligroso que un gran pensamiento
en un cerebro pequeño.”
Hippolyte Taine.

LA VOZ DE UNO DE LOS PENSADORES MÁS FECUNDOS

Taine es un crítico e historiador, cuyas ideas sobre el arte y la literatura alcanzaron gran influencia en Europa. La teoría central de Taine se aproxima a los postulados del determinismo positivista, dando una particular relevancia a la influencia del ambiente, la raza y el momento. Taine es un filósofo que busca por todas partes la causalidad, sin la que el mundo es ininteligible. Como la mayoría de los espíritus de su siglo, concibe esa causalidad puramente como cuantitativa, y tiende a reducirla al mecanicismo. Los aspectos de la Naturaleza, las obras de la literatura y del arte, los hechos históricos, las mismas costumbres son resultantes de la raza, del medio, del momento. De esta concepción dimanan los prejuicios de su crítica, frecuentemente sistemática, y por ende incompleta, y su aversión en el terreno histórico, a todo aquello que va contra la tradición, aversión que hace parciales y deficientes, a pesar de sus inmensas rebuscas y de los excelentes trozos que contienen, sus cuadros de la Revolución. Pero de todas maneras hizo dar un paso decisivo a la historia literaria, que incorporó, mejor que madame Staël y que Villemain, a la historia general; comprendió admirablemente la literatura inglesa y ciertas épocas de la pintura; es el maestro indiscutible de los mismos que le critican y o le perfeccionan. Este pensador de primer orden, sistemático pero sincero y pujante, tenía un alma fina y altiva, un profundo amor a la Naturaleza y a lo bello, y, sobre todo, estaba dotado de un genio único para exponer sus ideas. Taine ha sido durante largos años el maestro que ha enseñado a pensar a muchos espíritus, así en Francia como en el extranjero; es uno de los pensadores más fecundos y uno de los escritores más excelentes de las literaturas modernas.

Hippolyte Adolphe Taine nació en Vouziers, Ardenas, el 21 de abril de 1828 y falleció en París, el 5 de marzo de 1893. Tras estudiar en París, fue profesor de filosofía en Nevers y de retórica en Poitiers y Besançon, ciudad esta última donde había sido trasladado por represalia imperial, tarea que abandonó para establecerse en París, donde colaboró con La Revue des Deux Mondes y el Journal de Debats (1855). En 1864 fue nombrado profesor de estética de la Escuela de Bellas Artes. Vivió en Inglaterra algún tiempo y viajó por los Países Bajos e Italia. Destituido de su puesto de examinador de letras (historia y lengua alemana) en la escuela militar de Saint-Cyr tuvo que ser repuesto por la presión de la opinión pública. También tuvo problemas con el obispado de Orleans, que lo acusó de ateismo y puso trabas a su Historia de la literatura inglesa (1864). En 1878 fue elegido miembro de la Academia Francesa.

Sus primeros libros, Ensayo sobre Tito Livio (1856) y Ensayos de críticas e historia (1858), le acreditaron como crítico sólido y conflictivo. Sus ensayos más importantes –y polémicos- son: Los filósofos franceses del siglo XIX (1857), De la inteligencia (1870), en las que expone las ideas que constituyen la base teórica del naturalismo, Filosofía del arte (1865-1882) y Orígenes de la Francia contemporánea (1876-1893; 6 vols.). Publicó asimismo una serie de libros de observaciones acerca de los lugares que había conocido en sus viajes: Viaje a los Pirineos (1855), Viaje a Italia (1866), Notas sobre Inglaterra (1872); ensayos sobre creación literaria, La Fontaine y sus fábulas (1853-1861) y la novela Notas sobre París: Vida y opiniones de M. Federico Tomás Graindorge (1867).

Lo importante de la labor de Taine se halla en el intento de crear una crítica literaria basada en el rigor científico y en la sistematización de los métodos. Y como dijo el pensador francés: “No es con una idea que se levanta a los hombres, sino con un sentimiento”.

Francisco Arias Solis
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Siempre podemos hacer algo por la paz y la libertad.

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ALBERTO MORAVIA
(1907-1990)

“Una dictadura es un estado en el que todos
temen a uno y uno a todos.”
Alberto Moravia.

LA VOZ DE LA NARRATIVA NEORREALISTA

Según Alberto Moravia, la enfermedad que le retuvo largo tiempo en la cama, en su primera juventud, ofreciéndole la oportunidad de profundizar en la lectura a la vez que le daba un punto de mira con el que desarrollar su capacidad de análisis, y el fascismo, que le obligó a la clandestinidad y la rebelión, son los hitos sobre los que asentó su vida y su personalidad. En opinión de Moravia la personalidad no se consigue por la libre voluntad, sino combatiendo aquellas circunstancias que nos vienen impuestas.

Su prosa desnuda y realista, fiel instrumento de una capacidad analítica, le sitúa como a uno de los grandes maestros del realismo contemporáneo. Sus obras muestran la impronta del realismo francés junto con influencias kafkiana y freudianas, y hay en ellas un marcado interés por la investigación psicológica. Con fina ironía y lenguaje a veces crudo, hizo una crítica despiadada de la sociedad burguesa, dominada por el aburrimiento y el sexo y privada de conciencia moral.

Alberto Moravia, pseudónimo de Alberto Pincherle, nació en Roma el 28 de noviembre de 1907 y falleció en la capital italiana el 26 de septiembre de 1990. A los dieciséis años enfermó de tuberculosis y en su larga convalecencia leyó con voracidad todo tipo de literatura. Comenzó a escribir, siendo muy joven, en la revista Novecento. Opuesto al fascismo, marchó a EE. UU. al iniciarse la campaña de Etiopía. Aunque sobresalió en la novela cultivó también el ensayo, la crítica y el periodismo, colaborando entre otros medios de comunicación en Il Corriere della Sera. En 1941 se casó con la gran novelista Elsa Morante. Varias de sus novelas fueron llevadas al cine, y en 1952 todas fueron incluidas en el Índice de libros prohibidos. Alberto Moravia representó a Italia en el Parlamento Europeo desde 1984 hasta su muerte.

Con Los indiferentes (1929), Alberto Moravia alcanza una pronta fama. Sus personajes suelen actuar sin ataduras morales o religiosas, mostrando una realidad ante la que se empeñan en asombrarse aquellos críticos que no conciben esta libertad. Libertad, por otra parte tan extendida entre la juventud italiana. En Los indiferentes muestra la indiferencia político-social de la juventud de entreguerras. Entre su producción destacan también: La mascarada (1941), acerca de una supuesta dictadura mexicana por las autoridades fascistas, Agostino (1944), una de sus obras más logradas, que trata de la evolución vital de un adolescente dentro de la “buena sociedad” corrupta, La romana (1947), con la misma ambientación en la que una sencilla muchacha sucumbe ante las presiones e intereses inmorales, La esperanza o cristianismo y comunismo (1945), La desobediencia (1948), en que se analiza la hipocresía social, El conformista (1951), El desprecio (1954), Cuentos romanos (1954-1959). A partir de El tedio (1960), que fue un gran éxito, su obra adquiere una nueva orientación experimental y un mayor contenido sexual, como en La atención (1965), Yo y él (1971) y El hombre que mira (1985). Y como dijo el notable novelista del realismo: “Curiosamente, los votantes no se sienten responsables de los fracasos del gobierno que han votado”.

Francisco Arias Solis
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Si quieres la paz, trabaja por la justicia.

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Gracias.

GIOVANNI PAPINI
(1881-1956)

“Todo hombre paga su grandeza
con muchas pequeñeces, su victoria
con muchas derrotas, su riqueza
con múltiples quiebras.”
Giovanni Papini.

LA VOZ DE UN ESCRITOR CONTROVERTIDO

Polémico escritor italiano, Papini es contradictorio en su vida y en su obra. En sus más de sesenta obras defiende unas veces el cosmopolitismo y otras el nacionalismo; en unas, el arte por el arte, y en otras, el arte como fenómeno social; en unas, la cultura libre y en otras, la ideología estatal. Todos eran temas en litigio en la Italia de entreguerras. En sus ideas religiosas, pasó del agnosticismo a un catolicismo rebelde e independiente. Por ejemplo, sus ideas sobre el mal, que desarrolla en su libro El diablo (1953), llegaron a causarle problemas con el Vaticano. Autor polémico, paradójico, intransigente y combativo, fundador de diversas revistas –Il Leonardo (1903), con Giuseppe Prezzoline, La voce (1908), Anima (1911) y Lacerba (1913), esta última fundada con Ardengo Soffici- y agrupaciones de agitación cultural

Giovanni Papini nació en Florencia el 9 de enero de 1881 y falleció en la misma ciudad el 8 de julio de 1956. Hijo de un modesto comerciante de muebles, tuvo una formación autodidacta, obtuvo el título de maestro y trabajó como bibliotecario en el Museso de Antropología de Florencia. En 1903 se convierte en redactor jefe del diario Regno. En 1921 se convierte al catolicismo. En 1935 obtuvo la cátedra de literatura italiana en la Universidad de Bolonia y en 1937 fue nombrado académico.

En la época de La voce, Papini acogió el movimiento futurista con cierto entusiasmo. En Il mio futurismo, confiesa: “Me adherí al futurismo creyendo encontrarme con hombres verdaderamente nuevos y libres que se proponían una efectiva renovación del arte italiano, del espíritu italiano. Al cabo de un año advertí que había caído en una iglesia, academia o secta más pintoresca que las demás, donde se buscaba la fe antes que la libertad, el ruido antes que la creación, la obediencia a la ortodoxia más que la riqueza de la exploración”.

Giovanni Papini se expresó por medio de todos los géneros literarios, a excepción del teatro. Filosofía: Crepúsculo de los filósofos (1906). Autobiografía intelectual: Un hombre acabado (1912). Poesía: Opera prima (1917) y Pane e vino (1926). Prosa lírica: Cento pagine di poesía (1915). Prosa narrativa: Concerto fantastico, Vita de Michelangelo (1943), Sant’ Agostino (1929), Historia de Cristo (1921) y El juicio universal (1949). Obras cumbres y originalísimas, en torno a las que se han levantado inolvidables polémicas, son Gog (1931) y El diablo (1953). Escribió también una Historia de la literatura italiana. Y como dijo el polémico escritor italiano: “Temo a un solo enemigo que se llama, yo mismo”.

Francisco Arias Solis
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El futuro se gana, ganando la libertad.

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FILIPPO TOMMASO MARINETTI
(1876-1944)

“Estamos persuadidos que el amor
es la cosa menos natural del mundo.
En esto no hay de natural más que
la continuación de la especie.”
Marinetti.

LA VOZ DEL FUTURISMO

Italia contribuyó al panorama de los movimientos literarios de vanguardia del siglo XX con el futurismo, cuyo primer manifiesto, lanzado por Marinetti apareció en 1909 en el periódico Le Figaro.

Lo mismo que Apollinaire y Tristán Tzara, el futurismo se inició al impulso de una personalidad artística en busca de toda su proyección, y como en el caso de Tristán Tzara y el dadaísmo, la proyección de Marinetti y el futurismo rebasó en mucho el valor intrínseco de la obra misma. El futurismo italiano, coincidiendo con un auge de la conciencia histórico-nacional, cristalizó en un movimiento político con la exaltación del fascismo. André Breton, al hacer una síntesis de los movimientos de vanguardia que animaron el principio del pasado siglo, escribió: “El cubismo fue una escuela de pintores. El futurismo, un movimiento político. Dadá un estado de espíritu”.

Se citan como precursores del futurismo a Whitman y D’Annunzio. El primero de ellos, por las ansias de modernidad que respiraban los manifiestos futuristas de Marinetti, exaltando la velocidad y la máquina. La influencia de D’Annunzio cristaliza en la sensualidad –Marinetti fue procesado a causa de lo relevante de esta característica en una de sus primeras obras, escrita en francés-, así como en la violencia, la exaltación del héroe y el nacionalismo imperialista que había de encarnarse en la figura de Mussolini. Algunos escritores italianos, como es el caso de Papini, en un principio afectos al futurismo por aquella cara Whitniana que presentaba, al evolucionar hacia una cristalización política y dictatorial, no sólo lo abandonarían, sino que se convertirán en sus más eminentes enemigos, y centro de la polémica que se prolongó a lo largo de toda la mitad del pasado siglo.

Filippo Tommaso Marinetti nació en Alejandría, Egipto, el 22 de diciembre de 1876 y falleció en Bellagio el 2 de diciembre de 1944. Estudió en su ciudad natal y en París, donde conoció el parnasianismo y el simbolismo. En 1899 se licenció en Derecho en la Universidad de Génova. Entre 1902 y 1908 publicó en francés sus primeros libros de poemas: La conquista de las estrellas, Destrucción, El rey Jolgorio, La momia ensangrentada y La ciudad carnal. En 1905 fundó en Milán la revista Poesía y el 20 de febrero de 1909 Le Figaro publicó su Manifiesto del futurismo, donde exponía la necesidad de abandonar las viejas fórmulas y crear un arte libre y anárquico capaz de expresar el dinamismo de la sociedad industrial. En 1910, en un nuevo Manifiesto, teorizó sobre la puesta en marcha de su programa. Su postura vital, violenta y de un nacionalismo irracionalista, lo llevó a apoyar las aventuras militares italianas en África, ser voluntario en la primera guerra mundial, y, a partir de 1919 vincularse con el fascismo, lo que le valió diversos puestos oficiales. Como sus teorías estéticas no se adecuaban a la exaltación del pasado romano deseada por los dirigentes del partido el prestigio de Marinetti decayó paulatinamente.

Entre su obra destacan la pieza Muñecas eléctricas (1909), publicada en Italia con el título de Electricidad sexual, en la que aparecen, con otro nombre, los robots, la novela Mafarka el futurista (1910), novela antiafricana que produjo un gran escándalo, especialmente el capítulo titulado La violación de las negras, el poema Zang Tumb Tumb (1914) y diversos textos teóricos, como Teatro de variedades (1913), Teatro sintético (1915) o Guerra, la única higiene del mundo (1915). Marinetti escribió otras muchas obras que no vale la pena de registrar por el hecho de que, la única obra perdurable de este escritor fueron sus treinta y tantos manifiestos, en torno a los que logró reunir, al menos temporalmente, a artistas como Buzzi, Govoni, Palazzeschi y Folgore, entre los poetas, junto con Soffici, Papini y Prezzolini. En el Manfiesto del futurismo se decía: “ Un automóvil de carreras con su capó adornado de gruesos tubos parecidos a serpientes de aliento explosivo..., un automóvil rugiente que parece correr sobre la metralla, es más bello que la Victoria de Samotracia”.

Francisco Arias Solis
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No se debe admitir la violencia ni siquiera contra la violencia

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JOHN JAMES OSBORNE
(1929-1994)

“Los hombres intentan gobernar a los demás,
pero evitan gobernarse a sí mismos.”
John Osborne.

LA VOZ DE UN AUTENTICO REBELDE

John Osborne, con el éxito alcanzado con Mirando hacia atrás con ira (1956), su obra más célebre, abre el camino a los jóvenes iracundos. Mirando hacia atrás con ira plantea el caso de un hombre incapaz de adaptarse a su medio social. El público interpretó esta pieza como la protesta de un joven intelectual de origen modesto contra el medio burgués con el que emparentó por su matrimonio, y en el que el personaje es considerado un intruso. Esta obra es como un símbolo de la rebelión contra todo tipo de convenciones: instituciones, organizaciones y costumbres tradicionales británicas, lo que le convirtió en uno de los máximos exponentes de la generación de escritores conocidos como “angry young men” (jóvenes airados).

Osborne realiza una sátira contra el tradicionalismo inglés fundamentado en las instituciones, organizaciones y costumbres. Parte de su popularidad se debe, sin duda, a las adaptaciones cinematográficas de algunas de su obras. Es también autor de la guión de la película Tom Jones, por el que obtuvo el Oscar de Hollywood en 1963,y llegó a actuar como intérprete en algunas películas.

John James Osborne nació Londres el 12 de diciembre de 1929 y falleció en la capital inglesa el 24 de diciembre de 1994. Educado en el internado de Belmont College (Devon), fue expulsado por pegar al director. Trabajó como actor hasta el estreno de su primera obra: Personal Enemy (1955). A pesar de su reconocida homosexualidad, llegó a casarse hasta cinco veces, siendo sus respectivas parejas, las actrices Pamela Lane, Jill Bennet y Mary Ure, y las escritoras Penélope Gilliatt y Helen Dawson.

Sus obras constituyen una rebelión contra la sociedad en la que vive, y están llenas de ataques a la monarquía, a la política conservadora y a las formas sociales de la clase alta británica, incluso al cristianismo.

Entre las obras más conocidas del dramaturgo británico se cuentan: Mirando hacia atrás con ira (1956), El anfitrión (1957). Epitafio por George Dillon (1958), Lutero (1961), Prueba inadmisible (1964), Un patriota por mí (1965), con claras referencias a la homosexualidad, por lo que fue prohibida, y Al Oeste de Suez (1971). Publicó también su biografía a la que tituló Un mejor tipo de persona (1981). Y como dijo el dramaturgo británico: “El ordenador es la evolución lógica del hombre: inteligencia sin moral”.

Francisco Arias Solis
e-mail: aarias@arrakis.es
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La primera víctima de la guerra es la infancia.

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Gracias.

FORO LIBRE
ASOCIACION CULTURAL, ARTISTICA Y LITERARIA

Francisco Arias Solís - Presidente ~ Plaza San Severiano, 2 ~ 11007 - CADIZ
e-mail: pazylibertad@arrakis.es
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“Mi libertad llamadla fantasía,
en todo lo demás soy prisionero,
cárcel la realidad, la noche, el día,
la carne, el mundo, todo lo que quiero.”
Miguel Ángel Asturias.

HOMENAJE DE FORO LIBRE A MIGUEL ÁNGEL ASTURIAS

El próximo lunes, día 9, a las 20.30 horas, en la cafetería-restaurante El Cantábrico (Avda. Cayetano del Toro, 21 - Cádiz), la Asociación Cultural, Artística y Literaria FORO LIBRE celebrará un encuentro literario sobre la vida y la obra del poeta y novelista guatemalteco Miguel Ángel Asturias (1899-1974), con motivo del 34º aniversario de su fallecimiento.

La obra poética de Miguel Angel Asturias ha sido desplazada en cierto modo por la enorme difusión de su obra de novelista. Pero la sensibilidad poética del escritor guatemalteco impregna toda su obra literaria.

La poesía de Asturias, como casi toda su obra, refleja los sentimientos del autor. El amor hacia la humanidad; el amor hacia la rica fuente inspiradora de su pasado maya-quiché; como el acendrado amor por la paz y la libertad. Es el amor el que conduce continuamente su verso.

Abogado en 1922, fue uno de los fundadores de la Universidad Popular. Movido por su inquietud social se convierte en un nuevo y gran defensor de los indios. Asturias es un luchador en favor de esa clase social desposeída de todo, sojuzgada, despreciada.

Asturias cultivó la novela, el teatro, la poesía y el periodismo. En 1965 recibió el premio Lenin de la Paz, y en 1967, el Nobel de literatura.

Entre sus novelas recordamos: El señor presidente, Hombres de maíz, Viento fuerte, El papa verde, Los ojos de los enterrados, Week-end en Guatemala, El alhajadito, Mulata de tal, El espejo de Lida Sal y Viernes de Dolores. Escribe piezas teatrales como Soluna, La audiencia de los confines, Chantaje, Dique seco y El rey de la altanería. Entre los títulos más relevantes de su obra poética se cuentan: Rayito de estrellas, Sonetos, Anoche, 10 de marzo de 1543, Sien de alondra, Ejercicios poéticos sobre tema de Horacio y Clarivigilia primaveral.

No hagamos las paces con la guerra, ni tampoco levantemos guerras con la paz.

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Gracias.

FRANÇOIS DE LA ROCHEFOUCAULD
(1613-1680)

“Tres clases hay de ignorancia: no saber
lo que debiera saberse, saber mal lo que se sabe
y saber lo que no debiera saberse.”
La Rochefoucauld.

LA VOZ DEL MAESTRO DE LAS MÁXIMAS

En el siglo de Luis XIV hay en Francia dos moralistas, que cuando menos de nombre conocen todos: La Bruyère y La Rochefoucauld, este último debe su fama a ser el autor de Máximas, libro de espíritu acre, penetrante, obra en que se expone con dureza grandes verdades, mezcladas con rasgos de un escepticismo muy discutible y malsano. Pone constantemente al lector en guardia contra sí mismo y le hace dudar de si sus actos son virtudes o vicios disfrazados. Tendrá más o menos razón, algunas veces, en lo que dice, paro hay que estar, al leerle, en disposición de discutir con él y poder juzgarle con independencia. Así, su lectura enseña a ser prudente, desconfiado, cauto, lo que es siempre útil; y, sobre todo, lo dice tan bien que es uno de los buenos maestros en el manejo dela lengua francesa, por su precisión, elegancia y fuerza. No escribió más que dos libros: éste de Máximas y otro titulado Memorias, reflejo ambos de su especial carácter y de su época de constantes intrigas y disturbios.

François VI, duque de La Rochefoucauld, nació en París el 15 de septiembre de 1813 y falleció en la capital francesa el 17 de marzo de 1680. Ostentó el título de príncipe de Marillac hasta la muerte de su padre. Estudió hasta los dieciséis años, edad con la que se alistó a la Armada. Durante un año estuvo casado con Andrée de Vivonne. Participó en la campaña de Italia e, igualmente, en las intrigas contra el cardenal Richelieu , sufriendo el destierro y hasta el encarcelamiento en la Bastilla (1637). Intervino activamente en las guerras de La Fronda a favor de Condé, y tras su derrota decidió retirarse de la política (1652). Asistía con asiduidad a los principales salones literarios de la época y mantuvo relaciones íntimas con damas de la nobleza, tales como, la duquesa de Longueville, la duquesa de Chevreuse, y, especialmente, Marie-Magdeleine, condesa de La Fayette, que regentó uno de los principales salones de la época, frecuentado, entre otros, por Jean de La Fontaine, la marquesa de Sévigné y el duque de Rochefoucauld.

En 1662 publicó sus Memorias que se centraron fundamentalmente en los incidentes de La Fronda. No obstante, su celebridad literaria se debe casi exclusivamente a sus Reflexiones o sentencias y máximas morales, que fueron publicadas originalmente en 1664 y, tras sufrir diversas refundiciones, en 1678 fueron editadas de forma definitiva. Con un lenguaje excepcionalmente transparente y un estilo elegante salpicado de fina ironía, el libro recoge unas 500 máximas centradas en la observación de los comportamientos humanos. La Rochefoucauld está considerado uno de los maestros de este género. La moral pesimista del autor, que bajo la virtud y la abnegación descubre solamente el egoísmo y el amor propio, se expresa con una limpidez de trazo y con perfección perfectamente clásica. La Rochefoucauld es el iniciador en la literatura europea de esas colecciones de máximas o pensamientos que se esfuerzan en dar todo su relieve a las ideas sobre el hombre o la sociedad mediante una concisión brillante, ingeniosa antítesis, un sesgo espiritual y un tono epigramático. Y como dijo el moralista francés: “Si no tenemos paz dentro de nosotros, de nada sirve buscarla fuera”.

Francisco Arias Solis
e-mail: aarias@arrakis.es
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La violencia siempre ha sido reaccionaria.

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Gracias.

FRIEDRICH DÜRRENMATT
(1921-1990)

“Antes que a los gobernados,
debemos vigilar a los gobernantes.”
Friedrich Dürrenmatt.

LA VOZ DEL HUMORISMO CÍNICO

En la línea de Brecht, aunque con notables diferencias, hay que situar a los autores suizos, de habla alemana, Dürrenmatt y Frisch, autores de teatro y novelistas que, con Heinrich Böll y Günter Grass, son los más representativos de la literatura alemana de los últimos años.

Las diferencias entre Dürrenmatt y Brecht parten de la postura de ambos frente al mundo. En cuanto Brecht aspira, por medio de su procedimiento de “distinción” a romper el ilusionismo para hacer un teatro científico, apto para la crítica y, en su consecuencia, la modificación social, Dürrenmatt considera que esto es inútil. Según él, el propósito de escribir la verdad implica plantearse cuál es la verdad, con lo cual el problema viene a resultar prácticamente insoslayable. En cambio, cuando el escritor no se preocupa de la verdad, es imposible, que pueda dejar de escribirla.

Sin embargo, también Dürrenmatt se sirve de los efectos de la distanciación aunque no con el rigor y la motivación de Brecht. Asimismo, sus temas suelen ser de actualidad, y en todos ellos intenta la crítica social, aunque no siempre con acierto. Su dominio para conducir la acción dramática, su habilidad para mantener el suspense –es autor de varios relatos policíacos- y su humorismo cínico, han hecho de él unos de autores dramáticos más influyentes de nuestros días. Es, junto a Frisch, uno de los dramaturgos más importantes de la posguerra alemana.

Friedrich Dürrenmatt nació en Konolfingen, Berna, el 5 de enero de 1921 y falleció en Neuchâtel el 14 de diciembre de 1990. Hijo de un pastor protestante, estudió filosofía y teología en Berna y Zurich. En 1945 se casa con la actriz Lotti Geissler, y, en 1983, a la muerte de su primera esposa, contrae segunda nupcias con la actriz Charlotte Kerr. Obtuvo numerosos premios y reconocimientos, entre los cuales, citaremos: Premio de la crítica del teatro de Nueva York (1959), Premio Schiller en Mannheim (1959), doctor honoris causa de Temple University de Filadelfia (1969) y doctor honoris causa de la Universidad de Neuchâtel (1981) y Premio Nobel de Literatura (1984).

Las constantes de su obra, sobre todo dramática, se orientan hacia la renovación de la expresión teatral, experimentando nuevas fórmulas, para conseguir un teatro que permita la crítica de la sociedad contemporánea con la destrucción de los mitos de la cultura burguesa y científica actual, todo ello enmarcado en situaciones dramáticas agobiantes, con cortes súbitos de la acción y cambios de decorado, así como con el desenmascaramiento de los buenos sentimientos. Su escepticismo le hace considerar la farsa como el medio más adecuado para expresar la terrible conflictividad de la existencia, aunque no cree que el teatro pueda provocar cambios.

Sus tres obras más representativas son: Proceso a la sombra de un burro (radiocomedia), La visita de la vieja dama (1956) y Los físicos (1962). Otros títulos: El matrimonio de Sr. Misisipí (1952), Un ángel llega a Babilonia (1953), Rómulo el grande (1949), La promesa (1958), Los anabaptistas (1967), Retrato de un planeta (1971), El participante (1973), El plazo (1977) y Justicia (1985). Entre 1966 y 1972 se editaron sus Textos y conferencias sobre el teatro. Como novelista, hay que destacar La sospecha (1952) y Griego busca griega (1955), novela pesimista, pero realista, en la que expone, con la culminación del amor, la destrucción de la personalidad individual.

Dürrenmatt gusta de la parodia, del humor absurdo y de la inversión de las situaciones como medio más eficaz de crítica; en este sentido se encuentra próximo, por una parte a los surrealistas y, por otra, al acre humor de cabaret. Y como dijo el dramaturgo suizo: “El mundo no ha cambiado por la política sino por la técnica”.

Francisco Arias Solis
e-mail: aarias@arrakis.es
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La libertad no hace felices a los hombres, los hace sencillamente hombres.

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Gracias.

PASCUAL PLA Y BELTRÁN
(1908-1961)

“Sabed, oid, sabed que en pura llama
se cruza un pueblo erguido a golpe duro:
¡la voz de España humedecida clama
y en fuego y sangre se abre hacia el futuro!”
Pascual Pla y Beltrán.

LA VOZ AL SERVICIO DEL PROLETARIADO ESPAÑOL

Si bien en sus primeros libros La cruz de los crisantemos (1929) y Huso de la eternidad, resuenan las corrientes neopopulares y deshumanizadas que soplaron en los años veinte, con la publicación de Narja (1932) se convierte, sin excesivas preocupaciones artísticas, en el primer poeta que, fiel a las consignas del Partido Comunista, puso su pluma y su voz al servicio del proletariado español.

Pascual José Pla y Beltrán nació en Ibi, Alicante, el 11 de noviembre de 1908 y falleció en Caracas, Venezuela, el 24 de febrero de 1961. Hijo de un jornalero y de una lavandera, tuvo una infancia difícil, en un hogar de muy escasos recursos económicos. Con sólo siete años fue pastor como Miguel Hernández. Al separarse sus padres, Pla y Beltrán, con sus tres hermanas, se quedan con la madre. Cuando tenía once años de edad, la familia se traslada a Alcoy, e intenta trabajar en varios oficios, entre otros, el de hilador mecánico que le ocasionaría daños a su salud. Se traslada a Valencia, donde procura pasar mucho tiempo en bibliotecas y en tertulias literarias y acude a una escuela nocturna. Escribe algunos poemas que envía a los diarios valencianos. Publica su primera obra, La cruz de los crisantemos, con veintiún años. Funda la revista Murta, en 1931, en la que colaboraron, entre otros, Vicente Aleixandre, Pedro Garfias y Luis Cernuda. Ingresa en las Juventudes Comunistas, lo que le supone que sea encarcelado. A su salida de la prisión ingresa en el Partido Comunista y en la Unión de Escritores y Artistas Proletarios. En 1933 tienen lugar, en la provincia de Cádiz, los sucesos de Casas Viejas, uno de los episodios más importantes y trágicos de la Segunda República Española, que simboliza el martirio que sufrieron los jornaleros andaluces sin tierra y que motivaron los versos que Pla y Beltrán publicaría en la revista Octubre. También la frustrada revolución asturiana de 1934, que inspiró el Llanto de octubre de Emilio Prados, la obra teatral de Miguel Hernández Los hijos de la piedra y los poemas de La rosa blindada de Raúl González Tuñón aparece con frecuencia en la obra de Pla y Beltrán: “¿Era octubre, / o era el frío quien deshojaba rosas de nieve en nuestros hombres? / Oviedo era una voz lejana, / una queja, un vientre, un eco, / un lamento de niño de ojos de estopa y lengua de luna”...

Sus publicaciones posteriores a Narja, se sitúan en parecida línea Epopeya de sangre (1933), Hogueras en el sur (1935), Voz de la tierra (poema en rebelión) (1935), Camarada. Poema del amor y la angustia (1936), Poesía revolucionaria (Antología 1932-1936) (1936) y, con el seudónimo de Pablo Herrera, Poesía (1947).

Durante la guerra civil colaboró en el Mono Azul, Ataque, Nueva Cultura y Hora de España. Viajó a Finlandia, Suecia, Dinamarca, Francia y la URRS. Impresionado por su viaje a Moscú, escribió el poema “Salud, Moscú”, que fue publicado en la prestigiosa revista Hora de España. Participó en el II Congreso de Escritores convocado por la Alianza Internacional de Intelectuales Antifascistas, que reunió en Valencia, en julio de 1937, a José Bergamín, Corpus Barga, Antonio Machado, Pablo Neruda, Fernando de los Ríos, Ramón J. Sender, Vicente Huidobro, Carlos Pellicer, Octavio Paz, Elena Garro, Nicolás Guillén, Iliá Ehrenburg, Bertolt Brecht, Anna Seghers, Heinrich Mann, André Malraux, Louis Aragon, Alejo Carpentier, César Vallejo, Rafael Dieste, Rafael Alberti, John dos Passos, Julien Benda, Martín Andersen-Nexö, Stephen Spender, Tristán Tzara, Emilio Prados, María Teresa León, Arturo Serrano Plaja, Juan Gil-Albert, Herrera Petere, Lorenzo Varela, Miguel Hernández, Ramón Gaya, Juan Marinello, Ludwig Reen, André Chamson, Jef Last, Malcolm Cowley, Feedor Kelyin, etc.

Encarcelado al final de la guerra hasta 1946, le hicieron sufrir hasta un simulacro de fusilamiento. Rabiosamente perseguido después, tuvo que publicar sus libros con seudónimo. Al poco tiempo de salir de la cárcel muere su esposa Maruja Santacreu. En 1953 se casa con Concepción Zomeño. Dos años más tarde consigue llegar a Santo Domingo y de allí pasar a Venezuela, donde consiguió un trabajo en la Biblioteca Nacional de Caracas, ciudad en la que vivió hasta su muerte.

Junto a Prados y Alberti hay que destacar –escribe Víctor Fuentes-, en este período, a otro poeta revolucionario, hoy prácticamente olvidado, Pla y Beltrán... De procedencia obrera, es nuestro auténtico representante de la poesía proletaria o bolchevique, según la definición de Vallejo”. Y como nos dijo el representante de la poesía del proletariado: “Íbamos adelante, / sintiendo en nuestra piel el son oscuro, / la voz espesa de la muerte”.

Francisco Arias Solis
e-mail: aarias@arrakis.es
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La libertad no la tienen los que no tienen su sed.

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