“El arte de los toros es un arte ligado a la muerte,
y la muerte lo barre todo. Pero no se pierde nunca,
en el fondo me diréis, ya que en todas las artes,
los progresos y los descubrimientos lógicos
son recogidos por algunos de los sucesores,
de modo que nada, en realidad, se pierde, si no es el hombre..”
Ernest Hemingway.

LA VOZ DE UN ENAMORADO DE LA MUERTE

“No se puede comprender bien la historia de España desde 1650 hasta hoy –decía José Ortega y Gasset -, quien no se haya construido con rigurosa construcción la historia de las corridas de toros...”. Lo vio así Ernest Hemingway, enamorado de España, premio Nobel, que en varias de sus novelas se centra sobre lo español. Con independencia y libertad entra Hemingway en el mundo de los toros. Entra entusiasta, pasionalmente. Dice lo que siente. Está en los conciliábulos, en el patio de caballos, en la barrera y en el callejón. Habla con los toreros, con los críticos, con “aficionados” y pasando todo por el tamiz de su alma sensible, cuenta luego “su verdad”.

Ernest Miller Hemingway nace en Oak Park, Illinois, el 21 de Julio de 1899. Hijo de un médico de Chicago, desde muy niño el periodista y novelista norteamericano recibe de su padre una gran afición al campo, a la caza y a la vida al aire libre. Esto, unido a su espíritu aventurero, definen su existencia. Comienza a trabajar pronto como reportero del Kansas City Star. Posteriormente se incorpora al Toronto Star, del que sería corresponsal en Europa. Fue gravemente herido durante la primera guerra mundial, donde se encontraba como voluntario de la Cruz Roja en el frente italiano. Esta traumática experiencia condicionó fuertemente su vida, lanzándolo a cometer actos arriesgados o heroicos como exorcismo contra el miedo, y su obra, en la que el valor, a pesar de su inutilidad, es presentado como la única justificación de la existencia del ser humano. En España (1922) asiste a las fiestas de San Fermín en Pamplona, donde las corridas de toros le impresionan de tal manera que su pasión taurina es una constante de toda su vida. Fue corresponsal en España durante la guerra incivil (1937-1938), su apoyo y simpatía por la causa republicana le lleva a colaborar en el rodaje de la película Tierra de España. Escribe entonces su única obra de teatro La Quinta Columna. En la segunda guerra mundial toma parte en la invasión de Normandía y entra en París con su unidad de partisanos, participa también como corresponsal, en la guerra chino-japonesa en 1941, y vive los primeros momentos de la revolución castrista en Cuba. En París entró en contacto con Gertrudis Stein, Ezra Pound, Scott Fitzgerald y otros componentes de la llamada “generación perdida”.

Su espíritu libre y su concepción del mundo y de la existencia, basados en la idea de que el hombre debe hacer frente a su destino e incluso ser dueño de él. (“El hombre no está hecho para la derrota –escribía-; un hombre puede ser destruido pero no derrotado”), le llevan a ser consecuente incluso en el último acto de su vida: aquejado de una dolencia mortal, Ernest Hemingway se suicida con una escopeta de caza el 2 de julio de 1961, en Ketchum, Idaho.

Hemingway, uno de los más importantes epígonos del romanticismo artístico y vital, estuvo empeñado siempre en transmitirnos una imagen vitalista y aventurera; que el mismo fomentó hasta el exhibicionismo, se conformaba perfectamente con la idea que se tenía en Europa de lo que debía ser un novelista norteamericano contemporáneo: aventurero, deportista, bebedor, autodidacta, aficionado a la universidad de la vida y a la inmediatez del periodismo, hombre de acción enamorado de la caza mayor o de la pesca de altura, de los toros y el boxeo, de la belleza y la muerte.

Su estilo se caracteriza por el vivaz realismo de sus descripciones, en las que la acción sustituye al desarrollo psicológico (ciertos fragmentos de sus novelas valen por excelentes reportajes), y un indiferentismo moral algo corregido en su última época por un difuso sentimiento de solidaridad humana. La eficacia y expresividad de su estilo sencillo y directo, lleno de imágenes precisas y descripciones de variados ambientes, le hicieron alcanzar gran éxito. Fue galardonado con el premio Pulitzer por su novela El viejo y el mar (1953), y en 1954 le fue concedido el premio Nobel de Literatura. Dio a conocer al mundo entero la ciudad de Pamplona y los sanfermines, cuyos toros “corre” por las calles de la capital navarra.

Entre los títulos más relevantes de sus novelas se cuentan: Tres historias y diez poemas (1923), En nuestro tiempo (1924), Los torrentes de primavera, También sale el sol (1926), Hombres sin mujeres, Fiesta brava (1927), Asesinos (llevada a la pantalla con el nombre de Forajidos), Adiós a las armas (1929), novela en cierta medida autobiográfica en la que desarrolla uno de los temas recurrentes: la necesidad de los amantes de tener una “paz separada” del mundo, Muerte en la tarde (1932), ensayo sobre las corridas de toros, Las verdes colinas de África (1935) , Las nieves del Kilimanjaro (1936), Tener y no tener (1937), sobre el contrabando de alcoholes, Los primeros cuarenta y nueve cuentos (1938), Por quién doblan las campanas (1940), su obra de mayor éxito comercial; además de ser un relato de amor y guerra, que tiene como fondo la tragedia colectiva del pueblo español, es una honda reflexión sobre la condición humana y sobre el destino del hombre, y A través del río y entre los árboles (1950), ambientada en escenarios de la segunda guerra mundial fue muy censurada por la crítica. En 1953, publica uno de sus más bellos relatos, la novela corta El viejo y el mar. Su última obra El verano sangriento (1960), es una novela que tiene por motivo la rivalidad entre dos toreros. Después de su muerte aparecieron París era una fiesta (1963), recuerdos de su juventud, e Islas a la deriva (1970).

En nuestro país Hemingway “ve” los toros como un arte. Vive la guerra civil, va y viene una y otra vez. En el pueblecito malagueño de Churriana, escribe largas temporadas. Parecía un apóstol con su barba blanca. En sus días siguiendo todas las ferias importantes y sus corridas de toros, vio Hemingway muchos toros y muchos toreros. Desde “El Niño de la Palma” a su hijo Antonio. Dijo muy claramente que Antonio Ordóñez era el mejor torero que vieron sus ojos. Y en el mundo de los toros, Hemingway era el mejor novelista.

Casi cincuenta años después de su muerte, Hemingway sigue siendo el autor norteamericano más conocido –y más leído- de la primera mitad del siglo XX. Y como dijera el gran escritor norteamericano: “El gran artista va entonces más allá de lo que ha sido hecho o conocido hasta entonces, y hace su propia obra”.
Francisco Arias Solis
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Se ama la libertad como se ama y se necesita el aire, el pan y el amor.

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“Yo soy un hombre para quien
el mundo exterior existe.”
Théophile Gautier.

LA VOZ DE UN DESTACADO ESTILISTA

Apóstol entusiasta del romanticismo, Théophile Gautier ocupó un lugar importante en el movimiento literario de su época (Baudelaire le dedicó a él su libro Las flores del mal). Fue a la vez poeta, novelista, dramaturgo, arqueólogo, crítico literario, crítico de arte y un destacado estilista que dio nueva vida al idioma francés. Gozó de enorme popularidad. Durante gran parte de su vida se dedicó al periodismo colaborando en los diarios más prestigiosos de Francia. Con él se cierra el Romanticismo y comienza el movimiento parnasiano que tiene como norte “el arte por el arte”. Centra la literatura en la imagen y en la palabra, es decir en la forma. El virtuosismo pictórico, las notas de color y el culto a la belleza se extienden a toda su producción, lo que hace, a veces, que apenas distinga entre novela y poesía.

Pierre Jules Théophile Gautier nace el 31 de agosto de 1811 en Tarbes, Pirineos, y muere el 28 de octubre de 1872 en Neuilly-sur-Seine, a las afueras de París. En su infancia se traslada a vivir a París. En un primer momento estuvo interesado por la pintura, pero sus inclinaciones literarias le llevaron a la poesía. En el colegio conoce a Gérard Nerval con quien mantuvo una gran amistad. Participó en 1830 en el grupo romántico denominado “La jeune France”, durante esa época adopta las ideas revolucionarias de aquel tiempo y vive como un bohemio. Colabora en La Presse y La Revue de París. Viajó por muchos países, entre los que citamos España, Rusia, Italia, Argelia, Egipto, escribiendo relatos de marcado acento romántico. Sus libros de viaje son considerados de los mejores del siglo XIX. En España cubrió la contienda carlista como periodista. Fue rechazado tres veces por la Academia Francesa, siendo apoyado por el crítico literario más influyente de su época, Charles Augustin Sainte-Beuve, quien le consideró el mejor columnista de periódico. Junto con personajes destacados de su época, como Baudelaire, pertenece al club dedicado a la experimentación de drogas, principalmente hachís, llamado el Club des Hashischins.

Su labor se calcula en más de 300 volúmenes. Se citan entre sus novelas: Mademoiselle de Maupin (1855); La novela de la momia (1856) y El capitán Fracasse (1863). En el campo de la poesía hay que señalar Poesía (1830), el largo poema Alberto o el alma y el pecado (1933) y su célebre colección Esmaltes y camafeos (1852). De sus libros de viajes, Viaje por España (1845) y Viaje por Rusia (1867). Por último, son interesantes sus libros de crítica Los Grotescos (1825) e Historia del Romanticismo que no llegó a terminar y que se publicó póstumamente en 1874.

“Yo soy un hombre para quien el mundo exterior existe” –decía el poeta Gautier-. La creencia en la realidad exterior ha originado obras poéticas admirables en literatura. La creencia en la realidad de ese mundo es la que nos lo presenta como exterior, como existente. El arte podrá tratar de definirse como imitación de la naturaleza, siempre que creamos en la realidad exterior y existente –artística- del mundo de la naturaleza . El enunciado de “realismo” en el arte, en la literatura, suele ser hermano gemelo del llamado “naturalismo”. Ambos toman expresión de escuela o tendencia en la relación reciproca: poesía, mundo, arte y naturaleza. Estamos, pues, hablando de exterioridad y existencia de un mundo cuya realidad hemos empezado por creer desde que Gautier nos lo dijo en su afortunada frase. Tan ingeniosa, como esta otra: “Nacer es solamente comenzar a morir”.

Francisco Arias Solis
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No se debe admitir la violencia ni siquiera contra la violencia

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“El tiempo es un gran maestro
que arregla muchas cosas.”
Pierre Corneille.

LA VOZ DEL VERDADERO PADRE DEL TEATRO FRANCES

Nacido durante el reinado de Enrique IV, vio transcurrir entero el de Luis XIII, y vivió todavía durante cuarenta años del de Luis XIV. Empezó a llamar la atención del público (y del cardenal Richelieu, que protegía las letras y especialmente el teatro), a los veintitrés años, escribiendo varias comedias, más o menos aplaudidas entonces; pero olvidadas hoy. Su triunfo definitivo se lo debe a la imitación de la primera parte de una obra teatral española: Las mocedades del Cid, de Guillén de Castro.

Es sumamente curioso que la escena española proporcione a Corneille varios de sus mejores éxitos (como también los autores de la antigüedad clásica); pero, a pesar de todo, el origen se olvida más o menos, y la obra francesa subsiste, rodeada de comentarios de admiración superiores a los que nosotros dedicamos a los que inventaron el asunto y la manera de llevarlo al teatro, El Cid, que es de 1636, está ya casi todo en Guillén de Castro; pero la habilidad de Corneille en la presentación, en el manejo del diálogo, en la entonada versificación, acierta a crear algo que aunque, en el fondo, sea aquello mismo, es distinto, sin embargo, y le permite dejar a los suyos maravillados con lo que es el sentimiento del honor a la española, cosa que indigna a Richelieu y a sus amigos; pero entusiasma al público.

No hay poeta francés a quien sus compatriotas admiren, veneren y respeten más que a Pedro Corneille por su ingenio superior y por lo irreprochable de su laboriosa y digna vida. Además, no sólo se le considera como el creador de la tragedia y la comedia francesas, sino hasta de la ópera, con la obra Andrómada. A pesar de su constante labor, Corneille murió pobre y triste ante los grandes éxitos de Racine, a quien le había preparado el camino, y que realmente, completó no poco de lo que a aquel le faltaba. El primero era por naturaleza más orador; el segundo; más poeta refinado, más preciso y armonioso. No hay quien le iguale en sus escenas hermosas: en éstas es el gran Corneille, y nadie ha escrito mejor que él entonces. Él ha dado el modelo de la poesía clásica: sus versos tienen una elocuencia sobria y un vigor viril que llega no pocas veces a lo sublime; muchos de ellos se han hecho proverbiales por su sorprendente relieve, y saben, llegado el caso, comunicar una voz melodiosa al éxtasis o a la ternura.

Pierre Corneille nace en Ruán el 6 de junio de 1606 y muere en París el 1 de octubre de 1684. Perteneciente a una familia de magistrados, estudia con los jesuitas y obtiene el título de abogado, aunque no llega a ejercer. Se apasiona por los estoicos latinos (Séneca y Lucano). En 1647 fue elegido miembro de la Academia Francesa.

Sus primeras obras fueron comedias, pero la gloria la alcanzaría con la tragedia. La representación de El Cid (1636) marcó un hito en la historia de la tragedia. En la obra planteó el conflicto moral entre el “deber” de Rodrigo (vengar el honor de su padre) y su “voluntad” de contraer matrimonio con Jimena, hija del que había afrentado a su padre. Este conflicto, que es una constante en la obra de Corneille, lo resuelve siempre anteponiendo el héroe su deber a su deseo. Entre sus producciones pueden mencionarse las tragedias Medea (1635), Horacio (1639), Cinna (1639), Rodoguna (1644), Nicomedes (1650), Poliuto (1640), y las comedias El mentiroso (1642), adaptación de La verdad sospechosa de Ruiz Alarcón, La continuación de “El mentiroso” (1645), inspirada, en parte, en Amar sin saber a quién, de Lope de Vega, y Andrómada (1650).

Los héroes de Corneille, siempre varones, se caracterizan ante todo por su grandeza de ánimo. La firmeza con que antepone la voluntad a la pasión o al deseo proporcionaría una gran fuerza al conflicto dramático. El lenguaje grandilocuente de Corneille, que ha quedado como modelo de estilo sentencioso, alcanza momentos de notable brillantez. Y como dijo el padre del teatro francés: “Cada instante de la vida es un paso hacia la muerte”.

Francisco Arias Solis
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La libertad no la tienen los que no tienen su sed.

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“Han pasado cien años, y los nietos,
rota la placa y rota la memoria,
con otro nombre lañan la rotura:
¡Revolución!”
Miguel de Unamuno.

LA PREOCUPACION SOCIAL DE LOS JÓVENES NOVENTAYOCHISTAS.

Hasta hace poco años se ha hablado del 98 como de un monolito ideológico. Nada ha sido más perjudicial para dicha generación, pues al descubrirse fisuras, contradicciones, ambivalencias políticas, evoluciones sorprendentes, divergencias, se ha acabado por negar hasta la existencia misma de un grupo coherente con tal nombre. En ello han jugado papel importante las autodeclaraciones de los propios miembros del grupo, que al ser interrogados negaban con frecuencia la existencia del mismo o su adscripción a él, sin caer en la cuenta que con ello afirmaban lo que pretendían negar: el carácter individualista e iconoclasta, que ha sido uno de los rasgos preeminentes del noventayochismo.

En realidad, la mayoría de los equívocos han surgido de no atender con suficiente cuidado a la evolución cronológica de ellos, deteniéndose en alguna etapa incongruente de la misma. ¿Qué tiene que ver el esteticismo de Valle-Inclán con la literatura comprometida de Machado en sus últimos tiempos? ¿Qué relación existe entre las contradicciones y paradojas de Unamuno y el dogmatismo religioso y político de Maeztu durante la Segunda República? ¿Cómo compaginar la tibieza política de Azorín o Baroja durante nuestra guerra civil con el exilio consciente de Antonio Machado? Evidentemente, no parece haber modo humano de establecer alguna afinidad entre antagonismo tan marcados y posturas tan enormemente dispares. Sin embargo...

Es necesario, ante todo, seguir paso a paso la evolución de cada uno de ellos y ver las posibles motivaciones de sus actitudes y hasta las concomitancias que entre todos, se vayan produciendo. Como punto de partida, hemos de escoger el núcleo que parece ser la base de esa supuesta generación del 98. Me refiero al grupo inicial constituido por Azorín, Baroja, Maeztu y Unamuno. No hay duda de la filiación radical, y en muchos casos revolucionaria, de estos cuatro noventayochistas antes citados: el anarquismo literario de Azorín, la protesta social y la denuncia de la injusticia en Baroja, el socialismo de Maeztu y el marxismo de Unamuno. Actitudes que en todos ellos llevaron al deseo de “intervención social”.

En años sucesivos esta preocupación revolucionaria por las cuestiones sociales de los jóvenes noventayochistas irá cediendo a actitudes menos comprometidas en que la recreación estética de temas ideológicos ocupará un lugar cada vez más importante. En lo que toca a lo político, Maeztu sufrirá una evolución que lo situará en las antípodas de sus años juveniles, aceptando una embajada en Argentina del general Primo de Rivera y una filiación política con el movimiento de “Acción Española”, que le llevará a un antirrepublicanismo rabioso. Sin llegar a ese extremo, y a pesar de haber sido Ciudadano de Honor de la República, Unamuno prestará su adhesión al Alzamiento Nacional, y el gobierno de Burgos le nombrará rector de la Universidad de Salamanca. Por lo que se refiere a Azorín y Baroja, adoptarán una actitud de cierta complacencia -sobre todo el primero- ante los vientos fascistas que soplaban en España después de la guerra.

En todos ellos, pasada la época de virulencia revolucionaria a que antes nos hemos referido, se desarrolla un evidente y cada vez más acusado desprecio a la democracia y el parlamentarismo.

He dejado deliberadamente a un lado de lo que venimos diciendo las figuras señeras de Valle-Inclán y Antonio Machado. Del primero se dice que encaja mejor en el modernismo y sólo a duras penas se incluye entre los que se suelen considerar verdaderamente representativos del 98. Por el contrario, en Machado se habla de un compromiso cada vez mayor con las izquierdas y de un radicalismo progresivo que alcanza su cima en la adhesión incondicional a la República hasta su muerte en Colliure (Francia) en 1939. En ambos se da una evolución muy parecida, que sucintamente puede resumirse en el paso de un modernismo manifiesto en al mocedad a una literatura en la madurez que, sin violencia alguna, puede llamarse “comprometida” por ser evidente su inserción en la problemática socio-política que el país tenía planteada.

En esta etapa Machado y Valle-Inclán vienen a coincidir con las preocupaciones y la temática de sus otros compañeros de generación: Azorín, Baroja, Maeztu, Unamuno, al menos después de que abandonaran aquellas posturas primerizas de radicalismo social. En una palabra: que el “espíritu del 98”, que da al grupo su mismo nombre, viene a ser un cruce en la biografía de sus miembros. Durante los años que confluyen, se sienten preocupados por los mismos temas, adoptan actitudes similares y una misma voluntad de estilo les mueve: es el estilo que empareja al grupo del 98 y por el que éste resulta inconfundible . Después otras divergencias volverán a separarles: Maeztu se volverá hacia el fascismo, Unamuno se dejará llevar de unas paradojas para las que ya no están los tiempos, Azorín y Baroja querrán vivir en paz y Antonio Machado dará su vida -así puede escribirse sin miedo a error- por la Segunda República. Y es que, como dijo el poeta sevillano: “Fue ayer; éramos casi adolescentes: era / con tiempo malo, encinta de lúgubres presagios, / cuando montar quisimos en pelo una quimera, / mientras la mar dormía ahíta de naufragios”.

Francisco Arias Solis
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Ningún hombre considera que su situación es libre si no es al mismo tiempo justa, ni justa si no es libre.

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“La libertad es el derecho a hacer los que las leyes permiten;
y si un ciudadano pudiera hacer lo que prohíben,
ya no habría libertad, porque los otros tendrían ese mismo poder.”
Montesquieu.

LA VOZ DEL ESPIRITU DE LAS LEYES

Montesquieu, perteneciente a la nobleza francesa, es el tipo más curioso y enigmático de escritor que puede imaginarse. Magistrado, presidente del Parlamento de Burdeos en 1716, escribía trabajos históricos y políticos para leerlos en una academia de la que formaba parte, cuando de pronto, en 1721, aparecen impresas en Holanda unas Cartas persas suyas, sin nombre de autor, el cual declara en el prólogo que no quiere ser conocido, y que si llegara a serlo se callaría en lo futuro, pues si el público sabía quién era, no dejaría de decirle que un hombre grave como él debiera emplear su tiempo en algo mejor y más digno. No se le ocultó que aquellas fingidas Cartas persas escritas con gran libertad e ingenio, eran, aparte de un libro de crítica filosófica y social que adoptaba amena forma literaria, ligera y satírica, también una obra licenciosa. Como tantas otras veces en la historia literaria, el escándalo momentáneo se convirtió en sólida fama, sostenida por un buen número de ediciones, y a los seis años la misma Academia Francesa admitía en su seno a aquel escritor que tan bien pintaba los defectos y ridiculeces de la sociedad europea, y, sobre todo, de Francia. Ni Luis XIV escapa a sus observaciones llenas de esprit ni a sus sátiras despiadadas.

El ilustrado Charles-Louis de Secondat, barón de la Bréde y de Montesquieu, nació en el castillo de la Bréde, cerca de Burdeos, el 16 de enero de 1689 y falleció en París el 10 de febrero de 1755. Perteneciente a una familia de la nobleza de toga, estudió jurisprudencia en Burdeos y París. Tras la muerte de sus padre, en 1713, vivió con su tío el barón de Montesquie, del que heredó en 1716, su fortuna, el cargo del Parlamento de Guyena (antiguamente Aquitania, provincia francesa cuya capital es Burdeos), así como su título de barón de Montesquieu. En 1715 contrae matrimonio con Jeanne Lartigue. Se interesó por las ciencias experimentales y publicó algunas obras sobre Derecho y Filosofía (Disertación sobre la política de los romanos en la religión (1716), tratado De la monarquía universal en Europa (1724), donde esboza un estudio sobre la Constitución francesa). Pero su primer gran éxito lo obtuvo con Las cartas persas (1721), publicada anónimamente en Ámsterdam. En 1727 fue elegido miembro de la Academia Francesa. Entre 1728 y 1731 viaja por Europa; en Inglaterra descubrió una Constitución cuyo modelo deseó trasladar a Francia Al volver a su país se encerró en su castillo de la Brède, trabajando en lo que sería su gran obra. En 1734 publicó Consideraciones sobre las causas de la grandeza de los romanos y su decadencia, obra en la que estudió el genio político de Roma, pero no se limitó a narrar los hechos, sino que los enmarcó en las leyes de la historia, y por fin en 1748 apareció en Ginebra su obra fundamental, de carácter jurídico y filosófico y una de las cumbres del pensamiento humano, El espíritu de las leyes. Diversas críticas le hicieron volver sobre el tema en 1750, con su Defensa del Espíritu de las leyes. Escribió también el Ensayo sobre el gusto (1757). A su muerte dejó algunas obras sin publicar, entre ellas Cuadernos, en la que habla de sí mismo.

Su obra El espíritu de las leyes es una especie de filosofía de la historia de las instituciones sociales, políticas y civiles: una serie de estudios en que se habla de todos los tiempos y de todos los países. “No escribo para censurar lo que está establecido en cualquier país. Cada nación encontrará aquí las razones de sus máximas”, dice con mayor o menor exactitud. Sin embargo, de él ha dicho un historiador literario, Demogeot, que es a la vez el Voltaire y el Rousseau de la Revolución, un Voltaire tímido y un Rousseau jurisconsulto e historiador, hasta el punto de obligarle a publicar una Defensa del Espíritu de las leyes.

Montesquie expuso claramente las ideas de El espíritu de las leyes, obra en la que trabajó catorce años y que publicó en 31 libros. En los primeros libros habla de la naturaleza del gobierno y sus principios (República, Monarquía y Despotismo); de la influencia del clima en las leyes; de la separación de los tres poderes (ejecutivo, legislativo y judicial); de las relaciones entre las leyes y la religión, a la que considera un fenómeno sociológico. En los últimos pasa revista al Derecho a través de los tiempos y las diversas civilizaciones. Las mayores críticas las provocó su idea de una ley válida en todos los tiempos y para todos los países. Su aportación máxima es su idea de la ley como algo inherente al hombre que vive en sociedad.

Montesquieu sentó las bases de la moderna teoría del Estado al propugnar la soberanía popular, los derechos del hombre y la necesidad de constituciones escritas. Y como dijo nuestro pensador político: “Una injusticia hecha al individuo es una amenaza hecha a toda la sociedad”.

Francisco Arias Solis
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Paz y libertad.

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“No hay cristales de más aumento que los propios ojos
del hombre cuando miran su propia persona.”
Alexander Pope.

LA VOZ DE LA PERFECCION POÉTICA

La poesía augusta es, en Inglaterra, una rama de la literatura augusta, referida a la poesía de la primera mitad del siglo XVIII, que prácticamente coincide con la época de la publicación de la obra de Pope, poeta que nace con la revolución de 1688 y que muere cuando termina, poco más o menos, la poesía augusta. Alexander Pope es el más importante poeta inglés del siglo XVIII.

Alexander Pope nace en Londres, el 22 de mayo de 1688 y muere en su casa de campo, en Twickenham, al oeste de la capital inglesa, el 30 de mayo de 1744. Hijo de una familia católica realizó estudios privados en los que destacó extraordinariamente. Desde su juventud padeció diversos problemas de salud, entre otros, el Mal de Pott (una forma de tuberculosis osteoarticular localizada frecuentemente en la columna vertebral), que atrofió su crecimiento y deformó su cuerpo.

¡Curioso destino el de este poeta que entre los doce y los catorce años de edad escribía ya odas, obras teatrales, una traducción clásica, nada menos que un poema épico, que después destruyó, logrando ya sobresalir a los dieciséis con unas Pastorales; y con tanta procacidad, ingenio y cultura, con toda una vida dedicada a la producción escogida, se ve siempre negado el nombre de gran poeta a que constantemente aspiró, y que su magistral influjo en la época parece debía obligar a concederle sin discusión! Es que era un hábil y correctísimo artífice del verso, pero deja frío. Además, era un poeta aristocrático y católico en un país protestante; rico desde joven, como hijo único de un gran comerciante de la City londinense, lo que le eximía de adular al público; débil y aun deforme en el cuerpo y con grandes defectos morales que le mantuvieron rodeado de enemigos; escritor, y nada más que escritor, durante toda su vida; sin títulos llamativos, pero con abundante cultura adquirida por enseñanza privada; con gran vanidad y el deseo de ejercer una especie de reinado literario, que, efectivamente, ejerció. El fue quien acabó de refinar y perfeccionar la poesía inglesa, imprimiéndole la corrección constante como norma principal. Continuó la obra de Dryden, y dejó tras sí toda una cohorte de poetas correctos. En verdad que la corrección no es un fin, pero sí un deber de todo artista concienzudo y recto. Es como una especie de natural honradez y elegancia espiritual.

Precisamente Byron fue, aunque a muchos les parecerá extraño, el más ferviente admirador de Pope, a quien proclama “el más perfecto de todos los poetas y quizá de todos los hombres”, y dice que para él es “como el cristianismo de la poesía inglesa”.

Entre sus principales obras figuran el poema didáctico Essay on Critiscim, (Ensayo sobre la crítica), aparecido en 1711, extraño título que parecería más apropiado en una obra de estudio en prosa, donde codifica las reglas del clasicismo inglés. Recoge con sumo arte teorías ya conocidas, las remoza por completo y las fija en impecables pareados que parecen medallas de perfecto cuño. Siguen por orden cronológico El bosque de Vindsor (1712), pastoral; y en fin, en 1712, otro poema, que se hizo famosísimo The Rape of the Lock, lo que ya se ha hecho costumbre traducir por El rizo robado. Se le califica de “uno de los más brillantes que se han escrito en lengua inglesa”. El asunto es insignificante: cierto lord ha ofendido a una señorita al cortarle un rizo de su cabellera, y esto da lugar a hondas disensiones entre las familias de uno y otra. Pope hace de todo ello una epopeya burlesca, delicada y de expresión ingeniosa. Quizá pueda decirse que lo mejor de Pope está en este poema. El que tituló La dunciada (1728), es la obra culminante de carácter satírico; en ella atacó a sus enemigos literarios. Destacan también Ensayos morales (1733-1735) y Ensayos sobre el hombre (1733-1734), que son poemas filosóficos, a pesar de lo cual poseen cierta fuerza poética. Es preciso citar la traducción de la Iliada (1715-1720) de la que se ha dicho que era un bello poema, aunque no se podía afirmar que fuera la versión de Homero, sin embargo, su excelente acogida le llevó a traducir la Odisea (1725-1726), estas traducciones le permitieron vivir desahogadamente en Twickenkam, “sin deudas a príncipe alguno u hombre par que viva”, como nos dejó dicho. Algunas de sus epístolas y sátiras, de sumo arte, como la Epístola a Arbuthnot (1735) y la de Eloísa a Abelardo, resultan algo inferior, aunque muestren sus grandes cualidades bajo distintos aspectos. Y como dijo el perfecto poeta inglés: “Errar es humano, perdonar es divino”.

Francisco Arias Solis
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Si quieres la paz, prepárate a vivir en paz con todos los hombres.

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Francisco Arias Solís - Presidente ~ Plaza San Severiano, 2 ~ 11007 - CADIZ
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“Cádiz, salada claridad... Granada
agua oculta que llora.
Romana y mora. Córdoba callada.
Málaga, cantaora.
Almería dorada...
Plateado Jaén... Huelva: la orilla
de las Tres Carabelas.
Y Sevilla.
Manuel Machado.

HOMENAJE DE FORO LIBRE A MANUEL MACHADO

El próximo lunes, día 7, a las 20.30 horas, en la cafetería-restaurante El Cantábrico (Avda. Cayetano del Toro, 21 - Cádiz), la Asociación Cultural, Artística y Literaria FORO LIBRE celebrará un encuentro literario sobre la vida y la obra del poeta andaluz Manuel Machado (1874-1947), con motivo del 61º aniversario de su fallecimiento.

En la creación del poeta Manuel Machado hay dos temas vitales, presentes de principio a fin y estrechamente conectados: el amor y la muerte, dos corrientes que vienen a juntarse en las aguas de un solo río: el de la vida. A Machado se le relaciona con harta frecuencia con el amor, o mejor dicho, con el amorío. Sin embargo, junto al tema amoroso, Machado ha hecho también de la muerte asunto importante de su poesía. “Poeta de la muerte”, lo llama Gerardo Diego. Y Dámaso Alonso nos dijo que “expresó la gravedad por medio de la ligereza”.

Manuel publica su primer libro Tristes y alegres, en 1894. Posteriormente publica Etcétera, Alma, Caprichos, La fiesta nacional, Museo y Cantares, Trofeos, Poesías escogidas, Cante hondo, Sevilla y otros poemas. En colaboración con su hermano Antonio escribió diversas piezas teatrales, entre las que Julianillo Valcárcel y La Lola se va a los puertos, revelan una temática grata a Manuel.

Enmarcado en la generación del 98 unas veces y en el modernismo otras, su andalucismo surge en toda su obra lírica con tal personalidad y gracia, que le sitúa aparte de los poetas coetáneos que con él compartieron el movimiento renovador de fines y principios de siglo. La guerra civil divide por ideología y por situación geográfica a los dos hermanos, situados cada uno en un bando. La separación de los Machado encarna la tragedia de la guerra española.

No hagamos las paces con la guerra, ni tampoco levantemos guerras con la paz.

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“Estudiad como si fuerais a vivir siempre,
vivid como si fuerais a morir mañana.”
San Isidoro de Sevilla.

LA VOZ DEL MAESTRO DE LA EDAD MEDIA

San Isidoro es la figura más destacada de la España visigoda y una de las fundamentales en la historia general de la cultura hispánica. Continuador de la empresa iniciada por su hermano y maestro con la Escuela de Sevilla o isidoriana, de la que fueron continuadores san Braulio, san Ildefonso y Tajón, ejerció además notorio influjo en otros reinos cristianos. Su fiesta se celebra en España el 26 de abril.

San Isidoro de Sevilla, obispo hispano y doctor de la Iglesia, nació hacia el año 560, desconociéndose el lugar real de nacimiento, y falleció en Sevilla el 4 de abril de 636. Su hermano san Leandro, arzobispo de Sevilla, dirigió su educación en la escuela catedralicia por él fundada, donde se enseñaba el trivium (tres de las siete artes liberales, comprendía: gramática, retórica y dialéctica) y el quadrivium (comprende: aritmética, geometría, música y astronomía), y llegó a destacarse tan cumplidamente, que al morir aquel le sucedió en el episcopado. Fue arzobispo de Sevilla (599), cargo que ocupó hasta su muerte. Hermanos suyos, además de san Leandro, fueron san Fulgencio y santa Florentina. Gran conocedor de las culturas bíblica y grecolatina, dedicó toda su vida al estudio y a la enseñanza. San Isidoro es una figura señera en la historia medieval, pues su vida se desenvuelve en un momento crítico: cuando el mundo romano desaparece y, con la inyección del elemento germano, surgen nuevas nacionalidades. Valiéndose de los recursos de la religión y la educación, se dio, pues a la empresa de acabar de desarraigar el arrianismo, robusteció la disciplina eclesiástica y presidió el segundo Concilio de Sevilla (619) y el cuarto de Toledo (636). No obstante tan importante obra, el mayor mérito del santo radica en sus escritos, numerosos y de variadísimos temas, entre los que alcanzan preponderante valor los históricos, filosóficos, teológicos y enciclopédicos.

En su obra Synonyma, de lamentatione anime peccatricis, se muestra profundo poeta lleno de misticismo; sus ideas filosóficas se encuentran expuestas, principalmente en los Libri Sententiarum y en las Etimologías; el Liber de viris illustribus es altamente interesante como repertorio de personajes de la época y el Chronicon y la Historia de regibus gothorum, wandalorum et suevorum, sus obras históricas más notables.

Mas ninguna de las obras del sabio arzobispo es tan representativo como Originum sive etymologiaum libri XX, denominada vulgarmente Etimologías, resumen admirable dela cultura clásica, fruto de vastísima y fecunda asimilación, que se convirtió en indispensable en toda biblioteca de la Edad Media. Las Etimologías, se convirtieron en el texto pedagógico más importante de su época. Los libros I y II están dedicados al Trivium; el III, al Quadrivium; el IV, a Medicina; el V, a Derecho y Cronología; VI, VII, y VIII, a Teología y Cánones; el IX, a Política y Sociología; el X, a Lexicología; XI y XII, a Zoología; XIII y XIV, a Geografía; XV, a Arquitectura y Agrimensura; XVI, a Mineralogía; XVII, a Agricultura; XVIII, a Milicia; XIX, a Marina, y XX, a Artes Manuales.

El arzobispo de Sevilla fue canonizado en 1598 y el Papa Inocencio XIII, en 1722, lo declaró doctor de la Iglesia. Y como dijo el sabio de Sevilla: “Perdona para que se te perdone, olvida para que se te olvide”.

Francisco Arias Solis
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¡Necesitamos vivir en paz!

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“El valor del hombre equivale a su autoestima.”
Françoise Rabelais.

LA VOZ DE UN ESCRITOR DE PRIMERA FILA

Rabelais fue un erudito apasionado por el griego que dio muestra de un conocimiento enciclopédico, un talante jovial desmesurado y abierto al gozo de la vida y un estilo de exuberancia verbal sin retórica ni preocupaciones estéticas, entusiasta, fantástico y pleno de un naturalismo jovial que convierte a Gargantúa y Pantagruel en una de las obras más geniales de la literatura de todos los tiempos. Particular interés tienen sus ideas acerca de la reforma de la educación, que debía según él, estar basada en el conocimiento de la cultura griega, latina, musulmana y hebrea, en la naturaleza, en la ciencia, en la tolerancia y en la alegría de vivir.

Se cree que Francisco Rabelais nació en La Divinière en 1494, en la finca de su padre, abogado en Chinon, y que murió en París, el 9 d e abril de 1553, sin que acerca de lo primero, y aun de lo segundo, exista completa seguridad y, por lo tanto, unanimidad de pareceres. Siendo fraile franciscano, estudió literatura clásica y francesa, ciencias e idiomas, entre ellos el griego, cuyo aprendizaje prohibió en 1523 la Sorbona por temor a la extensión del eramismo. Buscando un clima más tolerante, consiguió pasar en 1524 a la orden benedictina, recorriendo diversas ciudades, tales como, Burdeos, Tolosa, Orleans, París. En 1525 se secularizó y continuó los viajes. En 1530 estudió medicina en Montpellier y posteriormente la ejerció en Lyon. Allí publicó con el seudónimo de “Alcofibras Nasier”, anagrama de su nombre, Los horribles y espantosos hechos y proezas del muy renombrado Pantagruel, rey de los dipsodas, hijo del gran gigante Gargantúa (1532). Alcanzó gran fama como médico. Ello le valió la protección del cardenal Du Bellay, que lo llevó consigo a Roma en sucesiva ocasiones desde 1534. El éxito que alcanzó con su anterior obra le animó a escribir, La inestimable vida del gran Gargantúa, padre de Pantagruel (1534). Censurada sus obras por la facultad de filosofía de la Sorbona, Rabelais tuvo que apoyarse en diversos protectores, abandonando ocasionalmente Francia, por Roma, Piamonte o Metz, donde continuó con la práctica de la medicina (se había doctorado en 1537), pero siguió publicando nuevos volúmenes de lo que, en conjunto, se conoce como Gargantúa y Pantagruel: Tercer libro de los hechos y dichos heroicos del buen Pantagruel (1546), un Cuarto libro... (1548-1552) y La isla sonante, publicada póstumamente e incluida en un Quinto libro... (1564) no atribuido al autor, que pasaría sus últimos días de párroco de Meudon. En estas narraciones de la vida y aventuras de tres generaciones de gigantes, realizó una aguda crítica de las debilidades humanas, incluyendo en ella a papas, emperadores, políticos, órdenes monásticas y la misma universidad de París. En el primer libro aprovecha para criticar los métodos de educación y la guerra. El libro termina con la descripción de Thélème, cuyo lema es “haz lo que quieras”, frase que resume la filosofía de Rabelais, cercana al concepto de disfrute de la vida, propio del Renacimiento. En los dos últimos libros desaparece la historia de los gigantes y destaca, por el contrario el personaje de Panurge, amigo de Pantagruel, cuya astucia recuerda a Patelín o al Roman de la Rose. Panurge recorre el mundo en busca del Oráculo de la Diosa Botella. Cuando la encuentra, ésta le dice: “Bebed”, frase que se interpreta como el ansia de conocimiento propio del humanista. Entre su producción menos conocida destacan algunos libros de erudición, como la traducción de los Aforismos, de Hipócrates (1532), un Almanaque para 1533 y la Pronosticación pantagruelina (1534).

Es éste uno de los autores que no se juzgan fácil. Voltaire le llamó bufón genial, porque se puede ser genial y no tener el sentimiento del propio decoro, del cual precisamente suelen carecer los bufones, y con ello contribuyen a suscitar la risa. Algunos hacen del libro de Rabelais “su único libro”, el que hay que leer constantemente para sacarle todo el meollo que contiene.

Dejemos a ciertos eruditos que se hundan en “aquella enciclopedia de toda la ciencia, la locura, la audacia y la obscenidad de tales tiempos” para limitarnos a decir que Rabelais se sirvió de esta última y de las más descabelladas ficciones para ir demostrando su saber, su erudición, para ir filtrando ideas de reforma religiosa y de todas las clases, al paso que llamaba la atención de todos, realizando el negocio de que sus libros se vendieron enormemente, mejor que los de ningún otro autor.

Prescindiendo de lo que digan ciertos admiradores excesivos: de aquella historia de gigantes tan descomunal como ellos y llenas de alusiones satíricas a personajes de la época y digresiones filosóficas más o menos abstrusas; de aquel “très horrifique” y “grand” Gargantúa, padre del “heroico” y “buen” Pantagruel, en lo que todos están conformes es que lo que, principalmente, ha quedado, es el mismo Rabelais: un escritor de los de primera fila, aunque no un tan gran genio excepcional, uno de los creadores de la lengua francesa, sean los que fueren los defectos y buenas cualidades que tenga. Y como dijo el gran humanista francés: “Ciencia sin conciencia no es más que ruina del alma”.

Francisco Arias Solis
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El futuro se gana, ganando la libertad.

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«Es una amable y buena persona, desgraciadamente
un poco viciada por lecturas frívolas y por la compañía
de los mequetrefes de la capital. Aburriéndose mortalmente
con un marido del cual tiene pocos motivos de alabarse,
me hizo el honor de favorecerme con su aprecio.
Todos eran regalos, convites y proyectos en que yo era necesario.
“Abate, quiero aprender latín.... Abate quiero aprender botánica.”»
Prosper Mérimée.

LA VOZ DE UN ARTISTA DELICADO

Poco después de Balzac, en 1803, nacía un artista delicado, gran amigo de Stendhal, Prosper Mérimée. Viajó por España, donde conoció a la marquesa de Montijo, a quien dedicó una de sus obras, la historia de Don Pedro el Cruel, que, para él, no fue más que justiciero. Cuando la hija de la marquesa se convirtió en 1853 en la emperatriz Eugenia de Francia al casarse con Napoleón III, llegó a ser nombrado senador. Se dio a conocer Mérimée, en 1825, apelando a una superchería literaria: El teatro de Clara Gazul. La obra produjo gran impresión, trocada en sorpresa cuando se supo que era la invención de un joven. Tenía una tendencia especial a los asuntos en que intervenía algo sobrenatural o monstruoso, y le encantaban los países poco conocidos, los bandidos, los gitanos, como también los crímenes, mientras no fueran vulgares, mientras tuvieran algo de pintoresco. Fue modificándose, con gran ventaja para él, hasta escribir, a los treinta y siete años, ya en plena madurez, su obra maestra, Colomba (1840), tipo de corsa en el que halló pretexto para la descripción del país. Lo mismo se propuso al publicar Mateo Falcone (1829). Reconocen todos los críticos el encanto especial de ambas obras; pero Colomba, la mejor, tiene una rival española, Carmen, y Carmen no se borra ya fácilmente de la memoria de las gentes. Sobre esta novela compuso Bizet su célebre ópera. Merimée tiene otras obras en que habla de España y que es curioso leer (como Cartas de España), aunque no se le puede aplaudir siempre.

Prosper Mérimée nace en París el 28 de septiembre de 1803 y muere en Cannes el 23 de septiembre de 1870. Estudió Derecho y varias lenguas: inglés, ruso, griego y árabe. Fue uno de los primeros traductores de numerosos libros de lengua rusa. Fue funcionario, teniendo entre otros cargos el de inspector general de monumentos, que le permitió visitar toda Francia. Frecuentó los salones literarios. En 1844 fue nombrado miembro de la Academia francesa.

En 1825 publicó su primera obra, El teatro de Clara Gazul, y en 1827 La guzla, una recopilación de baladas, y presentó ambas como meras traducciones de supuestas obras españolas; posteriormente comenzó aparecer su obra narrativa: novelas históricas, como La jacquerie (1928) y Crónica del reinado de Carlos IX (1832) y, sobre todo, volúmenes de narraciones y novelas cortas, ámbito en que alcanzó una gran perfección: Mateo Falcone (1829); Las ánimas del purgatorio (1834), La Venus de Ille (1837), Carmen (1845), Arsène Guillot (1852) y La habitación azul (1866), entre las más conocidas. Resultan también destacables sus Cartas de España (1830), escritas durante un viaje a la Península, y las Cartas a una desconocida (1873). Y como escribió Mérimée: «El domingo pasado nos hizo un sermón que no era malo para sermón de pueblo, y que venía como de molde: “Que la desgracia era un beneficio de la Providencia para purificar nuestras almas”».

Francisco Arias Solis
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La violencia siempre ha sido reaccionaria.

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“Para siempre reposa;
basta de palpitar. No existe cosa
digna de tus latidos; ni la tierra
un suspiro merece: afán y tedio
es la vida, no más, y fango el mundo.”
Giacomo Leopardi.

LA VOZ HARTO SEDIENTA DE AMOR

Leopardi es uno de los mayores y más célebres poetas del siglo XIX. Los que todo quieren explicarlo con precisión matemática en nombre de una Ciencia de las que ellos mismos se proclaman únicos e indiscutibles representantes, han cogido por su cuenta al pobre Leopardi, declarándole degenerado y aun loco, porque a sus teorías convenía que por tales pasaran todos los genios. Se ha dicho también, con harta ligereza, que Leopardi acabó con el clasicismo y afirmó el triunfo del romanticismo pero concediendo que tal hiciera y no fuese, como realmente fue, un independiente, se ve a cada paso que, si es romántico, lo es en el fondo, aunque en la forma nadie posea tan bien como él la pura esencia de lo clásico, que no consiste en academizar la poesía, sino en saberle dar la ingenua libertad de la vida antigua.

Leopardi es triste, es pesimista, no siempre porque su malísima salud, su constitución débil de neurótico y giboso, le inclinen naturalmente a ello, sino porque su naturaleza es harto fina, harto sedienta de amor, de felicidad y de belleza, para que en el obligado roce con las impurezas de la realidad no padezca horriblemente.

Leopardi fue gran poeta y gran prosista. No fue uno de esos autores fecundísimos que aciertan sólo de vez en cuando: todas sus poesías caben en un breve volumen, pero casi todas son famosas. En prosa, le basta escribir unos sencillos Diálogos al estilo de Luciano, o el Elogio de los pájaros, o El cántico del gallo silvestre, por ejemplo, para demostrar que sigue siendo un maestro.

Giacomo Leopardi nació en Recanati el 29 de junio de 1798 y falleció en Nápoles el 14 de junio de 1837, a los treinta y nueve años de edad, aceptando la muerte como un bien, según su propia inclinación y los consejos de un amigo íntimo el escritor Pietro Giordani, ya viejo entonces, y siempre fervorísimo admirador suyo, hasta ser, después, uno de sus editores. Hijo del conde Monaldo, Leopardi fue educado en su propia casa por un jesuita mexicano, el Padre José Torres, y por un maestro italiano, teniendo a su disposición una buena biblioteca que poseía el conde y franqueaba con gusto a su familia y amigos, muy pronto, a los catorce años de edad, dijeron ya sus maestros que nada más podían enseñarle: todo lo sabía a la perfección. Entre otras cosas habían hecho de él un buen latinista, pero su precocísimo talento quiso ir más allá y, sin maestro alguno, aprendió solo el griego, y en plena adolescencia maravilló a cuantos le conocieron, manifestándose consumado helenista y perfecto filólogo. Sin duda que al abuso en el estudio en tan temprana edad, a lo delicado de su constitución, a la hiperestesia de su sensibilidad y a la tristeza y monotonía del medio en que fue desarrollándose, siempre pegado al estudio, es de suponer que fueran debidos el persistente mal estado de su salud, la desviación dorsal que padeció, el cansancio de su vista y de su cuerpo todo y aquella melancolía y pesimismo desesperado que fueron el tormento de su vida, al propio tiempo que el más visible y característico sello de su poesía. Leopardi vivió en Milán, Bolonia, Florencia y Pisa, ciudades en las que entró en contacto con los principales círculos literarios de la época.

Su obra refleja pesimismo, melancolía y escepticismo, contenidos, sin embargo, por el pudor y un estilo expresivo de corte clásico. Supo analizar la pasión desgarrada y las sensaciones más recónditas del individuo y convertirlas en universales. Auténtico polígrafo, escribió tratados eruditos, crítica literaria, realizó traducciones y destacó, sobre todo, por sus composiciones poéticas, que le han merecido ser considerado uno de los máximos representantes de la lírica italiana. Sus Opúsculos morales (1827) recogen una serie de poemas meditativos, de excepcional musicalidad y nítida expresión, a través de los cuales analiza los grandes problemas que se le plantean al ser humano. Leopardi fue un impecable artista de la forma como demuestran sus más célebres y logradas composiciones, recopiladas en Cantos, y publicadas escalonadamente en 1831, 1835 y póstumamente en 1845. Entre sus principales poemas se incluyen: A Italia, Al pie del monumento de Dante, El Risorgimento, A Silvia, Recuerdos, El gorrión solitario, La calma después de la tempestad, El sábado del pueblo, Canto nocturno de un pastor errante de Asia, así como las cinco poesías producto del desafortunado amor por Fanny Targioni Tozzetti (El pensamiento dominante, Amor y muerte, Consalvo, A sí mismo y Aspasia) y sus últimas poesías, La retama, sobre el poder destructor de la naturaleza, y El ocaso de la luna. Fue autor además de Zibaldone (su diario de 1817 a 1832) y de un importante Epistolario (1849) póstumo. Y como dijo el gran poeta italiano: “Hermanos a la vez creó la suerte / al amor y a la muerte. / Otras cosas tan bellas / en el mundo no habrá ni en las estrellas”.

Francisco Arias Solis
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Paz y libertad.

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“Sigo considerando el teatro como un juego maravilloso,
el único juego de imaginación y de solo relativo azar
que conserva el hombre desde su edad primera a lo largo de su vida.”
José López Rubio.

LA VOZ DE UN ACADEMICO SIN ANTEPASADOS

López Rubio es quizá el más notable de los escritores españoles que ha continuado la “alta comedia”. Perteneció a la otra generación del 27, a “la de los renovadores del humor contemporáneo”, según Pedro Laín Entralgo, en la que también se incluyen a Tono, Edgard Neville, Enrique Jardiel Poncela y Miguel Mihura. José López Rubio en su discurso de ingreso en la Real Academia Española, pronunciado el 5 de junio de 1983, dijo que él era un “académico sin antepasados, un inmortal huérfano”.

El dramaturgo, cineasta, humorista y periodista José López Rubio y Herreros nació en Motril, Granada, el 13 de diciembre de 1903 y falleció en Madrid el 2 de marzo de 1996. A los pocos meses de nacer su familia se marcha a Granada, donde transcurre su infancia. En 1915 se traslada a Madrid, donde comienza sus estudios de bachillerato en un colegio de frailes agustinos. Desde finales de 1917 hasta mediados de 1919 residió en Cuenca, al ser nombrado su padre gobernador civil de la provincia conquense, allí terminó su bachillerato. En Madrid estudió Derecho y allí conoció y entabló amistad con Enrique Jardiel Poncela. Frecuentó las tertulias del café Platerías y del café Pombo. Vinculado en sus comienzos a la revista Buen Humor, con Tono y Miguel Mihura, así como a otras publicaciones periódicas, destacó su labor como cuentista en Los lunes de El Imparcial, su producción literaria está muy ligada al humor innovador que se desarrolla en la época impuestos por Ramón Gómez de la Serna y Enrique Jardiel Poncela, como se advierte en las piezas De la noche a la mañana (1929) y La casa de naipes (1930), ambas escritas con Eduardo Ugarte. Anteriormente había publicado la novela surrealista Roque Six (1927), en la que combina los rasgos de humor con lo grotesco.

En 1930, López Rubio embarca para América, con destino a Hollywood, contratado por la Metro Goldwyn Mayer, como adaptador y traductor de las versiones españolas de sus películas, posteriormente es contratado por la Fox. Durante la guerra civil española vive entre México y Cuba, regresando a España en 1940 y reanuda su activad teatral con el estreno de Alberto (1949). Su trabajo como guionista influyó en sus comedias posteriores, enmarcadas fundamentalmente en la tradición de la “alta comedia” burguesa Celos del aire (1950), por la que obtuvo el Premio Fastenrath de la Academia y que es para muchos su mejor obra, El remedio de la memoria (1952), La otra orilla (1954), La venda en los ojos (1954), Las manos son inocentes (1958) y Nunca es tarde (1964). En 1954 López Rubio recibió el Premio Nacional de Teatro. Y como nos dijo el dramaturgo y humorista granadino: “He hecho todo lo que se puede hacer con una pluma en la mano”.

Francisco Arias Solis
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Se ama la libertad como se ama y se necesita el aire, el pan y el amor.

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“Los sentimientos agotados del hombre
encuentran su único placer en martirizar
a otros seres humanos y a los animales.”
Selma Lagerlöf.

LA VOZ DE LA PRIMERA MUJER GALARDONADA
CON EL NOBEL DE LITERATURA

En 1891 se dio a conocer con su primera obra, titulada La saga de Gösta Berling, la novelista Selma Lagerlöf, cuya fama recorrió después toda Europa. Es una de las grandes figuras de la literatura sueca, y parece significar una reacción romántica y religiosa donde tanto se ha combatido la religión. Su arte tiene algo de lo que en pintura el impresionismo, procediendo por manchas de color más o menos sueltas y más o menos desordenadas. Su obra total es rica, de tendencias épicas y de un bello nacionalismo. De formación naturalista, intentó buscar en el paisaje y las tradiciones suecas la armonía entre realidad y fantasía, propiciando el resurgimiento del romanticismo sueco.

Selma Otilia Lovisa Lagerlöf nació en Marbacka, provincia de Värmland, el 20 de noviembre de 1858 y murió en su ciudad natal el 16 de marzo de 1940. Cursó estudios en la Escuela Normal Superior de Estocolmo en la que se graduó de profesora. Desde 1885 imparte clase en el Liceo de Niñas de Lanskrona, cesando su actividad diez años después para dedicarse exclusivamente a la literatura, gracias a la pensión vitalicia que le fue concedida por la Corona sueca. En 1907 la Universidad de Upsala la doctoró “honoris causa”, recibiendo dos años más tarde el Premio Nobel, siendo la primera mujer en obtener el galardón en literatura. En 1911 defiende, en el Congreso Internacional de Derecho del Sufragio Femenino de Estocolmo, la igualdad de los derechos de las mujeres. En 1914 fue admitida por la Academia Sueca que en sus dos siglos de existencia, abría por primera vez sus puertas a una mujer. Selma Lagerlöf se convirtió en miembro de la organización que otorga el Premio Nobel de Literatura. Feminista y pacifista convencida dedicó gran parte de su vida a la defensa de los derechos de la mujer y de la paz. En el I Congreso Internacional de Escritores para la Defensa de la Cultura, celebrado en el Palais de la Mutualité de París entre el 21 y el 25 de junio de 1935, se creó la Asociación Internacional de Escritores para la Defensa de la Cultura, cuyo Comité Internacional estará compuesto por los escritores antifascistas Thomas Mann, y su hermano Heinrich, Romain Rolland, André Gide, Forster, Aldous Huxley, Bernard Shaw, Valle-Inclán, Ricardo Baeza, José Bergamín, Máximo Gorki, Sinclair Lewis y Selma Lagerlöf, la única mujer que formaba parte del Comité Internacional. Cuando Finlandia hubo de enfrentarse, durante la Guerra de Invierno, que estalló el 30 de noviembre de 1939, a la agresión soviética, Selma Lagerlöf donó su medalla de oro del Premio Nobel para ser subastada con la finalidad de recaudar fondos para la resistencia finesa. La escritora sueca ocupó los últimos años de su vida en apoyar a los intelectuales alemanes que sufrían la persecución nazi.

En su producción narrativa destacan, entre otros títulos: La saga de Gösta Berling (1891), su primera obra que está inspirada en leyendas populares y fue su novela de mayor éxito, Lazos invisibles (1894), Los milagros del Anticristo (1897), Jerusalén (en dos volúmenes, 1901-1902), El dinero del señor Arne (1904), Saga sobre una saga (1908), El carretero de la muerte (1912), llevada al cine por V. Sjöström, El proscrito (1920), novela pacifista, y Anna Svärd (1927). Destacan, además, el libro para niños El maravilloso viaje de Nils Holgersson a través de Suecia (1906-1907), pensado originalmente como manual escolar de geografía, que es para muchos su obra más madura, y los relatos recogidos en El mundo de los trolls (1915-1921). Escribió además obras autobiográficas, como Marbacka (1922), El niño duende (1930) y El diario de Selma Lagerlöf (1932).

Los tres mejores libros de Selma Lagerlöf son, en opinión del crítico francés Maurice Muret, que los ha estudiado a fondo, La saga de Gösta Berling; Jerusalén y Los milagros del Anticristo, en conjunto tres epopeyas novelescas o tres novelas épicas en prosa. La saga de Gösta Berling es una epopeya nacional; Jerusalén, una epopeya nacional al par que religiosa; Los milagros del Anticristo, una epopeya principalmente religiosa, ya que el elemento milagroso ocupa en ella la mayor parte. De estos tres libros, el de menos valor es el tercero, en el que la autora pretende describir una Sicilia que su alma septentrional y romántica dista mucho de haber comprendido.

Recientemente ha salido a la luz la correspondencia inédita entre Selma Lagerlöf y su madre. A su paso por Tierra Santa, tras haber permanecido una semana en Jerusalén, refiriéndose a los representantes de las distintas religiones, escribe la escritora sueca: “Todos se odian entre sí y a pesar de la profusión de templos y conventos que hay de varias creencias, da miedo comprobar la aversión que se respira en el aire”.

Francisco Arias Solis
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Será vano el intento de humanizar las guerras. Lo humano es evitarlas.

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“Nada es más bello que la verdad,
sólo la verdad es digna de ser amada.”
Nicolas Boileau.

LA VOZ DEL LEGISLADOR POETICO

Los cuatros mayores clásicos del famoso siglo de Luis XIV que ningún francés olvida, son Molière, Racine, La Fontaine, Boileau. El último convirtióse en el legislador poético de su época y se impuso como árbitro del buen gusto. Desde los escritos de Descartes y de Pascal, desde las enseñanzas de la Academia Francesa y de los sabios literarios de Port-Royal, podía decirse que el arte de escribir en prosa quedaba ya fijado; mas no así por lo que respecta al de escribir en verso. Mucho había aún que hacer después de Malherbe, y de ello se encargó Boileau, entre las protestas de unos en contra y la aprobación ferviente de otros. Los que nunca se opusieron a Boileau fueron los grandes maestros, Molière, Racine, La Fontaine, que no le temían, y comprendieron que aquel hombre era la personificación del sentido común, del gusto y del deber de disciplina, en aquel país y en aquella época. Su papel ha sido excepcionalmente importante en historia literaria de Europa, ya que expresaba mejor que nadie el ideal poético de la época clásica, ideal que se ha convertido en símbolo, así para los partidarios del mismo como para sus detractores.

Comenzó Boileau por distinguirse en el manejo de la sátira y de la epístola moral. En cuál de estos de estos géneros sobresalió más es cosa discutible: pero siempre suele verse ante todo en el satírico. Vino después el Arte Poética, cuyos preceptos no fueron hijos del capricho de un hombre, sino de la madura reflexión y discusión de cuatro amigos que se llamaban Racine y La Fontaine, Moliére y Boileau, quienes tenían sus reuniones en un cuarto que alquilaron para ello. Es imposible averiguar quién aportó allí más ideas para la formación del código del buen gusto que sólo Boileau había de escribir. Su firmeza de carácter, su severidad de juicio, su intransigente opinión de que sólo en los antiguos se hallaba la cumbre de la belleza, y de que había que combatir sin piedad a los malos autores de la época, hacían de él el crítico-poeta que se necesitaba para propagar la mejor literatura dela época, literatura que estaban produciendo sus amigos. A ella se sumó él mismo con la publicación de su obra Le lutrin (El atril), poema cómico en que se emplean los procedimientos de los heroicos y del cual se ha afirmado que “en él hay talento, riqueza de color en la pintura y armonía del lenguaje”. He aquí un Boileau muy distinto del maestro impertinente y pasado de moda que muchos ven únicamente. Estoy muy de acuerdo con aquel verso suyo que dice, contradiciendo a muchos de nuestros autores de ahora: “Nada es más bello que la verdad, sólo la verdad es digna de ser amada”.

Nicolás Boileau nace en París 1 de noviembre de 1636 y muere en la misma ciudad el 13 de marzo de 1711. Tras estudiar derecho y teología y ejercer como abogado, a partir de 1657 se dedica de lleno a la literatura. En 1677 Luis XIV le nombra, junto con Racine, historiógrafo de la corte. En 1684 ingresa en la Academia francesa, desde la cual defiende la postura de los “antiguos” en la famosa polémica entre anciens et modernes.

Entre sus obras destacan las Sátiras (1666); valioso documento sobre la vida y costumbres de la época, en las nueve primeras imita a Horacio y en las restantes a Juvenal, las Epístolas (1674-1694), con las que confirmó sus dotes de polemista; la epopeya satírico burlesca en seis cantos El atril (1674-1683), y el Arte poética (1674), en la que presenta su doctrina sobre la creación literaria, y que fue considerado el principal manifiesto teórico del neoclasicismo. Por su mordacidad temible, su extraordinaria cultura y su buen gusto, no exento de rigor, ejerció una influencia considerable en toda la literatura europea de su época. Y como nos dejó dicho el gran poeta francés: “Haceos con amigos dispuestos a censuraros”.

Francisco Arias Solis
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La peor paz es mejor que la mejor guerra.

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ULTIMADA LA PROGRAMACION
DEL SEGUNDO SEMESTRE DE 2008

“Íbamos adelante,
sintiendo en nuestra piel el son oscuro,
la voz espesa de la muerte.”
Pascual Pla y Beltrán.

VEINTE ENCUENTROS LITERARIOS
Y DOS FESTIVALES POETICOS

La programación del segundo semestre del año 2008 de la Asociación Cultural, Artística y Literaria Foro Libre incluye veinte encuentros literarios y dos festivales poéticos, siendo la entidad andaluza que cuenta en su programación para dicho periodo con un mayor número de actos literarios.

Los encuentros literarios estarán dedicados a los siguientes personajes y motivos: Manuel Machado, Última barricada del mayo francés, Carmen Martín Gaite, Concha Méndez, Mallarmé, Celestino Mutis, Ángela Grassi, Nicolás Salmerón, Miguel de Unamuno, Benjamín Jarnés, Francisco Giner de los Ríos, Pío Baroja, George Eliot, Apollinaire, Pascual Pla y Beltrán, Emilio Ballagas, Tomás Moro, Constitución de 1978, José Nogales y Salvador de Madariaga.

En octubre se celebrará el X Festival de Poesía y Cante Jondo dedicado a Manuel de Falla, y en el mes de diciembre tendrá lugar el XVI Recital de Poemas Navideños y Villancicos.

Los encuentros literarios de Foro Libre se celebran los lunes a las 20.30 horas, en la cafetería-restaurante El Cantábrico (Avda. Cayetano del Toro, 21). La entrada es libre y todos los asistentes pueden participar con plena libertad en los distintos encuentros.

XVI ANIVERSARIO DE FORO LIBRE (1992-2008)

Paz y Libertad.

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“La guerra es la más grande plaga que azota a la humanidad,
destruye la religión, destruye naciones, destruye familias.
Es el peor de los males.”
Martín Lutero.

LA VOZ DEL REFORMADOR

Las traducciones de la Biblia que sustituyeron en los países reformados al latín de la Vulgata ofrecen aun desde punto de vista literario, una importancia del primer orden.

La época de la Reforma constituye para Alemania un periodo literario. Martín Lutero fue no sólo el heresiarca, el reformador religioso, sino el de su idioma. Se ha dicho que su traducción de la Biblia fue un trabajo gigantesco, en que él solo hizo por su propio lenguaje lo que por Italia habían hecho Dante, Petrarca y Boccaccio. Si no lo creó, lo elevó desde la infancia a la madurez. Para ello tomó como base el dialecto alto sajón, empleado por las cancillerías y por todos comprendido, realzándolo, animándolo, dándole flexibilidad, por medio de la observación del lenguaje del pueblo, y al mismo tiempo fijándolo, a fuerza de paciencia y de consultas de toda clase. Su único deseo era, según él, el escribir en un lenguaje puro y claro, el más práctico para su propósito, que, en rigor, no era el literario, sino el de propaganda teológica.

Martín Lutero nació en Eisleben, Sajonia, el 10 de noviembre de 1483 y murió en la misma ciudad el 18 de febrero de 1546. Hijo de un pobre minero de Eisleben, estudió en la Universidad de Erfurt, ingresó en la Orden agustina, cursó estudios de Teología en la Universidad de Wittemberg, en la que se doctoró en Teología (en 1512) y donde fue también profesor. Allí se desarrollaron sus inquietudes religiosas, centradas en problemas como el libre albedrío, la salvación y la libertad de examen, a la vez que se mostraba preocupado por la corrupción de la Iglesia oficial –había viajado a Roma en 1510-1511-, e intentaba diferenciar a ésta de la Iglesia “invisible” -la comunidad de los cristianos en relación con Dios-. Estas posturas eran sólo conocidas por un reducido círculo de intelectuales de su Universidad, pero salieron a la luz con motivo de la publicación de una Bula de Indulgencias de la que se excluía a los agustinos: Lutero redacta sus 95 tesis, en las que ataca el sistema de indulgencias y se remonta a consideraciones doctrinales que fueron vistas como heréticas. Lutero fue excomulgado, y mandado a perseguir por Carlos V (Edicto de Worms de 1521); encuentra refugio entre los nobles alemanes –el elector de Sajonia lo protege del emperador-, quienes de esta forma querían manifestar la independencia del Imperio germánico respecto de Roma; por otra parte, el pueblo alemán las clases campesinas, recogen su mensaje de liberación y promueven rebeliones que son acalladas violentamente, con la aquiescencia del mismo Lutero.

Martín Lutero expuso sus ideas en escritos como A la nobleza cristiana de la nación alemana (1520), De la cautividad babilónica de la Iglesia y Sobre la libertad cristiana en la que se reflejan definitivamente sus teorías sobre la justificación por la fe –en las que resonaban ideas de San Pablo y San Agustín-. Al mismo tiempo, se dedicó a traducir la Biblia al alemán, con ayuda de Melanchton y de otros, para garantizar el libre examen que defendía.

Por otro lado, intentó atraer la atención sobre su teología en los numerosos himnos (sólo quedan cuarenta y uno) que compuso y a los que el mismo puso música. Tradujo el Credo, el Te Deum y varios himnos latinos. Algunos de los suyos han quedado como definitivos, como insustituibles dentro de la religión protestante.

La obra de Lutero, aparte sus consecuencias religiosas e históricas, tuvo especial trascendencia para el desarrollo cultural alemán; en España su influjo fue drásticamente acallado por la Inquisición, aunque se dejó sentir en los erasmistas, a pesar de que Erasmo, al que Lutero había intentado ganar para su causa, no se había dejado seducir por las tesis del reformador. Y como dijo el reformador alemán: “El pensamiento está libre de impuestos”.

Francisco Arias Solis
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Será vano el intento de humanizar las guerras. Lo humano es evitarlas.

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Francisco Arias Solís - Presidente ~ Plaza San Severiano, 2 ~ 11007 - CADIZ
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“Pido
la paz y la palabra.”
Blas de Otero.

HOMENAJE DE FORO LIBRE A BLAS DE OTERO

El próximo lunes, día 30, a las 20.30 horas, en la cafetería-restaurante El Cantábrico (Avda. Cayetano del Toro, 21 - Cádiz), la Asociación Cultural, Artística y Literaria FORO LIBRE celebrará un encuentro literario sobre la vida y la obra del poeta vasco Blas de Otero (1916-1979), con motivo del 29 º aniversario de su fallecimiento.

Perteneciente a la primera generación de posguerra, su obra supone una síntesis entre ética y estética. Sus poemas denotan una clara preocupación por la existencial, sobre todo a partir de una determinado momento, en el que la agónica religiosidad del individuo se mezcla con una postura temporalista a favor de la inmensa mayoría.

Pido la paz y la palabra marca la entrega apasionada de Otero a la causa social. Libro importante, no ya en la poesía de Otero sino en la poesía española porque curiosamente es el Otero más conocido del público. Otero toma partido por el pueblo, lo quiere dinamizar, y por eso usará su poesía, su palabra. Pide la paz y pide la palabra. Otero pide la palabra para la paz y para la acción. La acción de la palabra, la acción por la palabra orientará la existencia del poeta.

De Blas de Otero nos han quedado unos estremecedores sonetos atravesados de furia, de ternura, de delicadeza. Su arraigo quevedesco lo sitúa entre los poetas que dejan huellas y un sabor a clásico. El libro de Blas de Otero Todos mis sonetos, publicado dos años antes de su muerte, reúne más de un centenar de sonetos.

Entre sus obras destacan: Cántico espiritual (1942), Ángel fieramente humano (1950) y Redoble de conciencia (1951), las dos últimas reunidas posteriormente en el volumen Ancla (1958), Pido la paz y la palabra (1955), En castellano (1960), Expresión y reunión (1969), Mientras (1970), Historias fingidas y verdaderas (1970 y 1980), País (1972) y Poesía con nombres (1977). Póstumamente se publicó Correspondencia (1987).

No hagamos las paces con la guerra, ni tampoco levantemos guerras con la paz.

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“Así, pues mi patria fue Certaldo, y mi culto la divina poesía.
¡Ah, que yo pueda por medio de la venerable persona de Petrarca
llegar a vencer las miserias de la fortuna, las angustias del amor
y a despojarme de toda vulgaridad! Yo, que me considero un miserable,
un inerme e inerte, duro e informe conjunto. “
Giovanni Boccaccio.

LA VOZ DEL MODERNO ARTE DE NOVELAR

Boccaccio compone junto a Dante y Petrarca la tríada de autores cuatrocentistas que configuraron la lengua literaria italiana y, a la larga, el italiano como idioma nacional de la Península. En cuanto a la influencia de Boccaccio en España cree Menéndez y Pelayo “que ningún autor italiano, ni el mismo Dante, ni el mismo Petrarca tuvo en España más lectores y admiradores que Boccaccio durante el siglo XV. La mayor parte de sus obras latinas y vulgares pasaron a la lengua castellana, y algunas también a la catalana”. Alcanzó su gloria definitiva con el Decamerón que es “la primera obra en que la prosa italiana se eleva a una verdadera y bella forma artística, y además sienta los cimientos del moderno arte de novelar, por los vivos que resultan sus personajes y la maravillosa precisión y claridad con que se desarrolla la marcha de la acción, por la facilidad con que da a conocer los hechos con todos sus mínimos pormenores. Ni a un lado ni a otro de los Alpes hay escritor contemporáneo suyo que haya logrado escribir como él”, ha dicho Bonghi, y de genio y maestro de novelistas le han calificados los mayores críticos. Lo que habían realizado Dante y Petrarca en la poesía, lo logro el Decamerón en la prosa. En esta obra se hallan cualidades literarias excelentes, aprendidas en el asiduo manejo de los clásicos de la antigüedad, y como clásica, también, quedó consagrada una obra que posee la atracción de las grandes y famosas meretrices de otros tiempos.

Giovanni Boccaccio nació en Certaldo, Florencia, en 1313. Hijo natural de un comerciante de Certaldo y de una dama francesa residente en París. Vivió alternativamente en Florencia y Nápoles, ciudad esta última que tendrá una gran importancia en su vida y obra, pues en ella se supone que conoció a la mujer que luego inmortalizaría con el nombre de Fiammetta, que es posible que fuese la princesa María, condesa de Aquino, hija natural del rey de Nápoles, Roberto de Anjou, gran admirador y protector de Petrarca. La princesa María, casada con un gentilhombre de gran fortuna, era bella, procaz, de ingenio agudo, y tenía en su casa, según costumbre de la época, corte de amor, por ella presidida, como podría presidirse hoy una academia. Se murmuraba que las relaciones existentes entre ella y Boccaccio eran más que puramente amistosas, y que constituían la base del argumento de Fiammetta, especie de confesión de la dama, modificada en lo más esencial del desenlace: en que fue ella quien plantó a Boccaccio, y no éste a ella. Boccaccio Fue gran amigo de Petrarca, frecuentó la corte del rey Roberto de Nápoles y desempeñó importantes misiones diplomáticas. Fue, además, el primer comentador de Dante, dejando escrita una Vida de Dante, algo novelada, por lo que no puede ser seguida en todo al pie de la letra. Giovanni Boccaccio murió en Florencia el 21 de diciembre de 1375.

El Decamerón, terminado en el año 1353, es una serie de narraciones puestas en boca de tres gentiles hombres y siete damas; jóvenes todos, que durante la terrible peste que azotó a Florencia en 1348 se reunieron en el campo, para escapar al contagio y distraerse de las preocupaciones naturales en tales momentos. Cada uno de ellos cuenta una historieta o novelita diaria, por turno, durante diez días, lo que da por resultado una colección de cien cuentos. De los diez turnos de las diez personas viene el nombre de Decamerón. La Comedia humana por contraste con La Divina Comedia, y realmente es un espejo, quizá algo deformador, a veces, de la vida diaria en el siglo XV. La temática y el tono de los cuentos son muy variados, aunque abundan los de contenido erótico desenfadado, que son para muchos los más conocidos y representativos del autor, pero también encontramos otros de tintes trágicos o dramáticos. En todos ellos aparece una amplísima gama de tipos sociales de la época, por lo que también puede verse bajo la óptica de una crítica social a su tiempo; es constante el enfrentamiento entre la idea de fortuna y la astucia e inteligencia humanas, lo que, debido a la habilidad del autor, origina una narración rica, ágil y apasionante. Al mismo tiempo, es ya plenamente renacentista al dejar de lado los aspectos religiosos y teológicos y centrarse en la realidad humana.

Otras obras de Boccaccio son: Ameto (1341-1342), conocida también como La Comedia de las ninfas florentinas o Ninfale de Ameto, mezcla de prosa y verso, de figuras mitológicas y de alusiones harto libre a damas florentinas, Amorosa visión (1342) y Ninfale fiosolano (1343-1346), obras que dieron origen a la literatura pastoril del Renacimiento; Corbaccio o Laberinto de amor (1354-1355), intencionada sátira misógina imitada más tarde por Alfonso Martínez de Toledo, arcipreste de Talavera; Filocolo, versión de la historia de Flores y Blancaflor; Fiammetta, que se considera autobiográfica, supone quizá la primera novela psicológica europea; Filóstrato, con la historia de Troilo y Crecida por argumento; La Teseida donde intenta la epopeya de inspiración clásica. Es autor también de algunos sonetos y baladas y de numeroso tratados en latín, tales como, De claris mulierubus, De casibus vivorum illustrium, De genealogía deorum, etc.

Quizá sea Boccaccio, mucho más que otros autores de su siglo, quien encuentra hoy en día una mayor acogida en la literatura, en el arte y en los gustos de nuestro tiempo, a pesar de que, también hay que decirlo, esta presencia reposa, frecuentemente, sobre una consideración equívoca, o sea, sobre la elevación del autor del Decamerón a maestro simbólico de la narración escabrosa, licenciosa, basada en situaciones sensuales y burlescas. Pero, pocos saben que Boccaccio tenía lo que podríamos llamar un corazón de oro, que nos habló así: “Amo a la pobreza que ya está conmigo; y si estuviese de mí apartada pronto la podría encontrar en cualquier parte, sin tener que servir a ningún rey para haberla.... Y soy más dichoso con alguno de mis librotes que lo son los reyes con sus grandes coronas”.

Francisco Arias Solis
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Paz y libertad.

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“Ni un beso... ni siquiera una sonrisa
he de pedirte yo.
Con la dicha de un beso de tus labios
no ha soñado jamás mi corazón.”
Alphonse de Lamartine.

LA VOZ DEL PRIMER ROMÁNTICO FRANCÉS

En la segunda década del siglo XIX existía en Francia, un vago movimiento romántico en prosa en el ambiente, con influencias nórdicas, inglesas, escocesas, alemanas, principalmente; sólo faltaba que se manifestara con fuerza en la poesía, y esto ocurrió en 1820, con la publicación de un modesto volumen de composiciones sueltas que con gran dificultad pudo encontrar un editor, porque aquellos versos no se parecían a los que el público compraba: las Meditaciones poéticas de Lamartine. Pronto se consideró en Francia que aquel libro creaba la poesía lírica subjetiva del siglo XIX y que constituía un acontecimiento como la aparición del Genio del Cristianismo de Chateaubriand fue para la prosa francesa. El lenguaje era armonioso, honda la emoción y sincera la inspiración. Algunas de sus composiciones, como la titulada “El lago”, quedaron consagradas como clásicas, y durante años enteros fueron el encanto de innumerables lectores. Entonces pudo decirse que la nueva escuela, el romanticismo, tenía ya en Francia su poeta.

Se definió, particularmente en las Armonías, que contienen muchas de sus composiciones más hermosas, como el poeta del amor, de la Naturaleza y de Dios. Alguna vez pulsó también con elocuencia la cuerda de la poesía política. El genio en él era más grande que curioso; jamás ha habido poeta más realmente inspirado, ni alma que hablase en la misma medida que él en un lenguaje sencillo y sublime. Sus ideas son elevadas, directo y patético su acento, grandes y nobles sus imágenes. No es un artista del verso; su facilidad es a veces desaliñada hasta la incorrección; pero sus periodos tienen vigorosa amplitud, y sus estrofas una melodía suave y melodiosa.

Alphonse Marie Louise Prat de Lamartine nace en Mâcon el 21 de octubre de 1790 y muere en París el 28 de febrero de 1869. Su padre, un oficial del ejército francés perteneciente a la pequeña nobleza, fue detenido en la época del Terror y una vez puesto en libertad se refugió con su familia en Milly, modesta propiedad cerca de Mâcon, donde Lamartine pasó su infancia. El poeta cursó estudios en Lyon y Belley, y posteriormente realizó diversos viajes por Italia (1811-1813). En 1817, a los pocos años de haber vuelto a Francia, tuvo que enfrentar y superar el duro golpe ocasionado por la prematura muerte de su enamorada Julie Charles. En 1820 contrajo matrimonio con la inglesa Marianne Birch. Su defensa de la restauración borbónica en 1814 le permitió entrar en la carrera diplomática. Acepta el cargo de secretario de embajada en Nápoles, y un año más tarde ocupa un puesto similar en Florencia. En 1829 ingresa en la Academia francesa y en 1832 realiza un viaje a Oriente, en que se inspiró su Viaje por Oriente: recuerdos, impresiones, pensamientos y paisajes (1935). A su regreso a Francia Lamartine, gran figura de sociedad, hombre importante por su popularidad se vio arrastrado hacia la política y, lo mismo que Víctor Hugo, creyó en la misión social del poeta. Fue elegido diputado por Bergues (1833-1837) y luego por su ciudad natal (1837-1848), convirtiéndose en uno de los principales oradores políticos de su época, actividades que, por otra parte, logró simultanear con su quehacer literario. Después de la revolución de 1848, formó parte del gobierno provisional con el cargo de ministro de Asuntos Exteriores, pero el fracaso de su candidatura a la presidencia de la República y el golpe de estado perpetrado por Luis Napoleón (Napoleón III), dieron paso a su retiro definitivo de la política. Durante su periodo como político defendió con gran elocuencia temas como la abolición de la esclavitud y de la pena de muerte, la instrucción para el pueblo, el derecho al trabajo, la libertad de prensa, etc. Perdida su fortuna cuando más falta le hacía, en sus últimos años, y retirado a la vida privada entre la indiferencia e ingratitud públicas, un cultivador forzado de toda clase de géneros: la novela, la biografía, las confidencias, la crítica y la historia literaria, el teatro, el periodismo, las obras de vulgarización más variadas con las cuales, y el producto de algunas suscripciones nacionales, pudo esperar que llegara una pensión tardía que una ley votada en 1867 le otorgaba. Dos años después moría pobre el que había nacido y vivido en la opulencia, demostrada más que nunca cuando su principesco viaje a Oriente.

A su primera obra Meditaciones poéticas siguieron las Nuevas meditaciones poéticas (1823), de mayor aliento, de forma más amplia y rica, El último canto de la peregrinación de Harold (1825); pero el libro en que la inspiración del poeta llegó a la cumbre fue el que tituló Armonías poéticas y religiosas (1830), con razón comparado a un ancho río de corriente tranquila y poderosa. Jocelyn (1836), poema que sigue después, y ofrece nuevas y grandes cualidades de expresión de los sentimientos familiares y de las cosas sencillas, parece otras Armonías en las que el relato que contienen sirve como de lazo de unión entre ellas. Y hasta aquí llega lo mejor de la producción poética de Lamartine. Él mismo se calificó de verdadero improvisador de verso, y en esas improvisaciones, cuando acertó fue genial, cuando se equivocó quedó muy por debajo de sí mismo. Tal le ocurrió con La caída de un ángel (1838), que publicó a continuación, recibida unánimemente con severidad extrema por los críticos. Como historiador escribió Historia de los girondinos (1847), en la que puso el ejemplo de hombres virtuosos que habían podido llevar a cabo una revolución pacífica y, como narrador, merecen ser mencionados Rafael (1849) y Confidencias (1849-1851), ambos de carácter autobiográfico, y la novela Genoveva, historia de una criada (1851). Con bastante exactitud se ha dicho que Víctor Hugo es la oda y Lamartine la elegía. Y como nos dejó dicho la primera voz del romanticismo francés: “La guerra no es más que un asesinato en masa, y el asesinato no es progreso”.

Francisco Arias Solis
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La peor paz es mejor que la mejor guerra.

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“Del fanatismo a la barbarie
sólo media un paso.”
Diderot.

LA VOZ DE UN ENCICLOPEDISTA REVOLUCIONARIO

El siglo XVIII francés es el siglo de Montesquie, de Voltaire, de Juan Jacabo Rousseau, de Bufón, de Diderot y otros de algo menor nombradía. Su característica es la de ser un demoledor del pasado, irreverente, incrédulo, revolucionario, en las esferas filosóficas, con obras como la Enciclopedia, diccionario dirigido por D’Alembert y Diderot, echando mano de toda suerte de materiales, y en las demás, ya con los hechos de sus hombres políticos, ya con la serie de obras de sus literatos.

D’Alembert era un gran geómetra que se encargó de escribir el prólogo de la famosa Encyclopédie, monumento hoy arruinado del cual se ha dicho que sólo queda en pie el peristilo, ese prólogo escrito con pureza de lenguaje, aunque sin el color y vida de los grandes escritores. D’Alembert se retiró pronto de la empresa, en la que según Sainte-Beuve, había entrado, sobre todo, por interés, ante los odios, ataques y persecuciones que suscitó; pero Diderot siguió al frente; sosteniéndola durante unos veintitrés años (1749-1772) y haciendo de ella el centro del movimiento filosófico del siglo XVIII. Ya en los primeros escritos, se había señalado Diderot por su inmoralidad, ateísmo y paradójicas ideas. Sus obras fueron quemadas públicamente y él encarcelado; pero su entusiasmo, su ardor en la defensa de aquellas ideas fueron inagotables. Sus cualidades son las de un escritor revolucionario en todo, que va promoviendo más iniciativas que nadie, hasta el punto de que algún crítico duda acerca de lo que realmente pensaba. Le perjudica como autor literario el no haber concentrado todo su talento en algunas obras maestras que pudieran honrar su nombre. Citan algunos como lo mejor que escribió Le Neveu de Rameau, capricho o fantasía filosófica, que él denomina sátira, en forma de diálogo, donde acumuló a la impudicia de un Petronio las más atrevidas paradojas, presentadas en ágil y descocado lenguaje. Diderot no supo nunca lo que es el pudor. Como crítico de arte, puede decirse que inauguró este género con sus celebrados Salons de 1765, 1766 y 1767. No pocas veces escribió obras para otros autores. Fue un improvisador y un bohemio. A pesar de sus continuos trabajos, hubiera muerto en la miseria si, al saber Catalina de Rusia que tenía que vender su biblioteca, no se la hubiera comprado, nombrándole a él mismo bibliotecario, con un sueldo de 1.000 francos, y pagándole ya de una vez cincuenta anualidades. Diderot fue a Rusia a darle las gracias; pero evitó la amistad con Federico de Prusia, que la deseaba.

Denis Diderot nace en Langres, Alto Marne, el 5 de octubre de 1713. A los diez años ingresó en el colegio de los jesuitas de su ciudad natal. En 1728 marcha a París para continuar sus estudios; obteniendo en 1732 el título de maestro en artes en la Sorbona, e iniciando una vida bohemia que alargaría por unos años. Conoce a la costurera Antoinette Champion, que no tarda en convertirse en su amante y con la cual se casa en 1743. Dos años mas tarde, inició una relación amorosa con Madame de Puisieux, y más tarde con Sophie Volland, con la que mantuvo un intercambio epistolar que constituye la parte más notable de su correspondencia. Fue elegido miembro de la Academia Francesa. Denis Diderot murió en París el 31 de julio de 1784.

Diderot es para muchos la más representativa figura de la Ilustración francesa. Fue un trabajador infatigable y un espíritu inquieto en el que se daban cita el cinismo, la ingenuidad, la más corrosiva capacidad de análisis y la más noble confianza en el porvenir de los seres humanos. Su obra es prueba de su compleja y poderosa personalidad, que, sin llegar a un sistema articulado de pensamiento, trató los más diversos temas con rasgos de genio indiscutible; se anticipó en ocasiones a Lamarck y Darwin.

Entre sus obras cabe destacar: Pensamientos filosóficos (1746), donde explica y afirma su filosofía deísta, Carta sobre los ciegos para uso de los que pueden ver (1749), donde con osadía habla de sus ideas materialistas, lo que le valió ser encarcelado durante un mes en Vincennes por “libertinaje intelectual”, recibiendo la visita de Rouseau en la cárcel, Pensamientos sobre la interpretación de la naturaleza (1757), y los dramas de interés histórico El padre de familia (1761) y El hijo natural (1771). Gran parte de sus escritos aparecieron póstumamente; así las novelas La religiosa (1796), una sátira contra las costumbres de las vocaciones forzadas, El sobrino de Rameau (1823, aunque su primera redacción data de 1761), su obra más conocida, donde trata de la naturaleza de la moral y la relación entre el genio y la sociedad, y en la que aparece como un precursor de la novela realista, pero con un realismo personal, y el célebre ensayo La paradoja del comediante (1830), en el que en forma de diálogo nos hace llegar sus reflexiones sobre el actor y el arte de interpretación. Y como dijo el enciclopedista revolucionario: “Es tan arriesgado creerlo todo como no creer nada”.

Francisco Arias Solis
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La fórmula salvadora es paz, libertad y justicia.

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